La Primera Mitad del Siglo XX

Introducción

Durante el siglo XX, se observa una gran proliferación de movimientos y tendencias. En gran medida, estas innovaciones se debieron a:

  • El avance de la técnica, que permitió escenarios móviles y luces reguladas.
  • La llegada del cine influyó notablemente en el teatro.
  • La figura del director de escena acrecentó su importancia tras desligarse su figura de la del actor y el empresario.

Reacción contra el realismo

Los autores se cansan de ahondar en la realidad mediante la mera reproducción y buscan otras maneras más imaginativas y poéticas de expresarse.

VSEVOLOD MEYERHOLD. RUSIA. La Biomecánica

  • Discípulo de Stanislavski
  • Se formó en el naturalismo
  • Participó como actor en los primeros montajes del Teatro de Arte de Moscú
  • Stanislavski le encomendó durante un tiempo la dirección del Teatro Estudio, dependiente del Teatro del Arte de Moscú, pero dedicada a la experimentación escénica.
  • Los actores formados en el naturalismo no eran adecuados para su nuevo teatro.

Su nuevo teatro se fundamenta en el acto.

Crea una técnica de entrenamiento, la biomecánica.

Minimalista: sin decorados, vestuario ni maquillaje (para caracterizar al personaje).

El intérprete fundamenta su trabajo en la adicción a los movimientos plásticos.

Surge así la biomecánica, en la que el actor es un virtuoso de su cuerpo.

Debe explorar todas las posibilidades.

Tras la revolución, se adhiere al nuevo teatro. El suyo es un teatro del proletariado.

Parte de la realidad sin imitarla.

Para subrayar un cierto aspecto de la realidad puede ser necesario deformarla o caricaturizarla.

El realismo es una consecuencia, no un procedimiento.

Siempre fue un gran defensor del gobierno.

Sus últimos trabajos fueron considerados alienantes y en contra del realismo socialista.

Fue fusilado por Stalin. Tras la muerte de este se reivindicó su figura.

ALFRED JARRY (1837 – 1907). FRANCIA

Precursor de las vanguardias, rompió con el realismo.

Trilogía sobre el tirano Ubú.

Muestra toda la miseria, bajeza moral, hipocresía, mezquindad, crueldad y egoísmo de la condición humana y de la sociedad.

Farsa cercana al guiñol. Deformación de la realidad a través de hechos ilógicos y absurdos que lleva a consecuencias funestas.

LUIGI PIRANDELLO (1867-1936). ITALIA

Premio Nobel.

Su primera obra son comedias que critican a la sociedad.

Precursor del teatro del absurdo.

Deja atrás el realismo y ahonda en los personajes para mostrar la soledad y el absurdo de la vida humana.

Su tema se vuelve existencial (el paso del tiempo, el sentido de la vida, la búsqueda de la verdad, la incertidumbre de la vida humana y el conflicto entre la realidad y la apariencia).

Obras más importantes son Así es si así os parece y Seis personajes en busca de autor.

Las Vanguardias

Movimientos efímeros que se suceden rápidamente.

Intentan romper con la tradición literaria anterior.

Parten de la necesidad de superar las limitaciones de la realidad como manera de interpretar el mundo.

Transgresoras y provocadoras.

Futurismo. Expresionismo

El futurismo, la primera de ellas, fue creada por Marinetti en Roma en 1909.

Hacia 1910 nace en Alemania el expresionismo, que influyó especialmente en el cine y en el teatro.

Visión crítica de la situación política y social.

Reivindicó una mirada subjetiva e intuitiva del mundo.

Capacidad del ser humano para cambiarlo.

Expresionismo

Visión distorsionada de la realidad.

Impactante.

Escenografía:

  • Antinaturalismo
  • Planos inclinados y asimétricos.
  • Retrata toda maquinaria o artificio moderno.
  • Iluminación: contrastes de luces y sombras.

Tramas:

  • Realismo desfigurado.
  • Importancia del sueño y el subconsciente.
  • Monólogos o largos silencios.

La música instrumental acompaña a estos espectáculos, así como el silencio o los ruidos.

Hay rasgos de este movimiento en autores como Piscator, Brecht, Pirandello y Valle Inclán.

Dadaísmo y Surrealismo

En 1918, Tristán Tzara publica su manifiesto, se inaugura el Dadaísmo.

Rompe con la lógica y el contenido.

En el teatro se combinan propuestas de cabaret con parodias violentas que intentan escandalizar.

El Surrealismo, fundado por André Bretón en 1924, continúa con los espectáculos ilógicos.

Importancia del subconsciente y el mundo onírico. ANTONIN ARTAUD: El Teatro de la Crueldad

El teatro ha de ser una especie de ceremonia de exorcismo, rito de magia.

Sorprenderá al espectador como en situaciones inesperadas e impactantes, a menudo violentas. Destrucción de la realidad.

Concepción del teatro como espectáculo total.

Predominan en este teatro los aspectos de la teatralidad (lenguaje gestual, plástico y musical frente a los textos dramáticos).

Intención de acabar con el texto mimético y volver a los orígenes, simbólico mágico y ritual del teatro (evolución realista).

El Teatro Político Alemán

1923 Se nota un cierto cansancio en los espectáculos expresionistas.

Se desvanecen los espectáculos realistas.

Objetividad y teatro político.

ERWIN PISCATOR

Inicios expresionismo.

Concepción del teatro: herramienta de transmisión de las ideas marxistas.

Deja a un lado los aspectos estéticos o la dimensión emocional del espectador.

Trabaja con más aficionados que con actores; no le interesa la calidad final del producto.

Busca al espectador proletario en sus propios espacios.

A imitación suya, se formaron grupos semiprofesionales por Alemania y otros países europeos.

Su función social.

Teatro sencillo:

  • Personajes poco elaborados psicológicamente.
  • Punto de vista social de la lucha obrera.
  • Intenta llegar al espectador con facilidad.
  • Nuevo género: la actualidad escénica, que comentaba y caricaturizaba personajes y noticias del momento, una especie de periódico escenificado.
  • Heterogéneo: cine, acrobacias, revistas y fotos.

Renovación de la escenografía:

  • Escenografía giratoria
  • Distribución en pisos.
  • Plataformas.

BERTOLT BRECHT: Teatro Épico

El más importante en el siglo XX.

Transformó el drama en Europa.

Inició expresionistas, marcado por la ideología marxista.

Primeros trabajos fueron adaptaciones libres. Aún hay algo de esto en la obra de los cuatro cuartos.

Rasgos característicos: Sencillez positiva, diálogos esquemáticos, uso de la parábola, humor e ironía.

En 1933 se exilia de Alemania por sus ideas políticas y en los años sucesivos en varios países.

Importante

Intenta separarse del teatro dramático del teatro aristotélico, que se basa en la mímesis y en la identificación del espectador con lo que sucede en escena. El suyo sería un teatro narrativo o dialéctico.

Se centra en la función social y tiene un marcado tono político.

Presenta realidades cercanas al espectador.

Desea que el espectador piense: no quiere conmoverlo ni que se identifique con los personajes o se limite a la pasividad de contemplar lo que pasa en escena. Efecto de distanciamiento.

Teoría del extrañamiento/distanciamiento

Para evitar la identificación emotiva del público con lo que pasa en escena, aplica la teoría del distanciamiento o extrañamiento. Su objetivo es que el espectador reflexione y piense ya que no quiere conmoverlo ni que se identifique con los personajes o se limite a la pasividad de contemplar lo que pasa en escena.

Técnicas:

  • El relato fragmentario
  • Narrador
  • Frecuentes pausas
  • Introduce música
  • Se recitan poemas
  • Utilizan disfraces
  • Gestualidad
  • Escenografía sencilla.

(hasta aquí la teoría)

En su obra mezcla el lenguaje coloquial con otro más clásico de gran fuerza poética.

Obras: La ópera de los tres centavos, Madre coraje y sus hijos, La vida de Galileo Galilei.

La actualidad de sus temas lo han convertido en un clásico.

Influencia de Bertolt Brecht

Brecht influyó en directores y grupos de teatros del siglo XX que buscaban una práctica escénica que fuera totalmente activa y eficaz.

AUGUSTO BOAL (Brasil, siglo XX y principios siglo XXI): Teatro del Oprimido

  • Analizar y dar soluciones a problemas sociales y políticos e interpersonales.
  • Los ejercicios propuestos por Boal son accesibles tanto para profesionales como no profesionales.
  • A través de la actuación, se pueden desprender de opresiones sociales y psicológicas que coartan la libertad individual.

El Teatro Español Anterior a la Guerra Civil

El Teatro del primer tercio de siglo presenta dos vertientes:

  • Teatro que triunfa. Continúa en gran medida el teatro decimonónico.
    • Comedia burguesa, a veces ligeramente crítica; un gran ejemplo es Jacinto Benavente.
    • Teatro poético en verso, de forma modernista; destaca Villaespesa.
    • Teatro Cómico costumbrista; destacamos a Carlos Arniches y a los hermanos Machado.
  • Teatro renovador.
    • Valle Inclán y otros intentos del 98.
    • Lorca y otras muestras de teatro vanguardista, novecentista y del 27.

El teatro que triunfa

Comedia burguesa:

Jacinto Benavente (1866-1954)

Premio Nobel 1922.

Sigue la línea del teatro de la segunda mitad del siglo XIX, al que elimina su lenguaje ampuloso y su grandilocuencia. Sus diálogos son vivaces e ingeniosos.

  • El nido ajeno (1894). Critica la situación de la mujer en la sociedad burguesa. Fracaso.
  • Los intereses creados (1907). Farsa. Aparecen personajes de la Comedia del Arte.
  • La Malquerida (1913). Drama rural.

Muchos autores imitan a Benavente.

Teatro poético

Combina residuos románticos con formas modernistas.

Intenté imitar el teatro del Siglo de Oro.

Ideología tradicionalista (ideales nobiliarios y exaltación del pasado).

Eduardo Marquina y Francisco Villaespesa.

Manuel y Antonio Machado. Desarrollan teatro en verso de tema contemporáneo (La Lola se va a los puertos), aunque algunas obras son históricas (Don Juan de Mañana).

Teatro cómico

Serafín y Joaquín Álvarez Quintero muestran una Andalucía idealizada y lírica.

Pedro Muñoz Seca, crea el astracán, comedia exagerada sin más aspiración que hacer reír.

Carlos Arniches:

Su producción presenta dos vertientes:

  • Sainetes de ambiente madrileño, con diálogos graciosos y personajes y ambientes tópicos.
  • Tragedias grotescas. Se une lo horrible y lo conmovedor. La señorita de Trevélez de Carlos Arniches es una tragicomedia que critica la crueldad social. Florita, una mujer madura y soltera, es engañada por un grupo de jóvenes que fingen que tiene un pretendiente, solo para burlarse de ella. Al descubrir la farsa, su humillación evidencia el daño causado por la insensibilidad y las desigualdades sociales.

Teatro renovador

Valle Inclán:

No se pliega a los gustos y convencionalismos del momento.

Durante mucho tiempo, se pensó que sus obras no eran representables. De hecho, Valle Inclán lo concibe para leer.

Etapa de transición (1907-1920)

Comedias bárbaras (trilogía): Águila de blasón (1907), Romance de lobos (1908), y Cara de plata (1922).

Ambiente rural gallego, mísero y violento.

Protagonizadas por don Juan de Montenegro.

Lenguaje fuerte, musical y brillante.

Farsas y dramas.

El esperpento (1920 – 1936):

Es una obra en la que se presenta una deformación grotesca de la realidad donde se mezcla lo trágico y lo burlesco con intención crítica. La creó el escritor Valle Inclán y la podemos ver en obras como Luces de Bohemia.

Farsa italiana de La Enamorada del Rey y farsa y licencia de La Reina Castiza. La primera es una comedia sentimental con personajes grotescos; la segunda desarrolla una acerva crítica de la Corte de Isabel II.

Divinas palabras presenta un mundo brutal y violento, Martes de Carnaval (trilogía), critica el estamento militar y las guerras de Cuba; ambas novelas son del género del esperpento.

Los inicios:

  • El embrujado (1907). Simbolista.
  • Títeres de cachiporra (1922 – 1923)
  • Mariana Pineda (1925). Su primer éxito. Restos del teatro histórico en verso.
  • La zapatera prodigiosa (1926). En prosa y verso, comedia de ritmo ágil y gracioso.
  • Amor de don Perlimpín con Belisa en su jardín (1928)
  • Retablillo de don Cristóbal (1931). Farsa de guiñol.

La experiencia vanguardista:

  • Fruto de su crisis personal, surgen las “comedias imposibles”.
  • El público (1930). Sólo conservamos un borrador. Presenta las obsesiones personales de Lorca.
  • Así que pasen cinco años (1931). Un joven entre dos amores y ante la paternidad imposible.
  • No se representaron en su época.
  • Son obras de una gran audacia estética.

Plenitud:

  • Une el éxito del público y originalidad y de valores literarios.
  • Bodas de sangre (1933). En prosa y verso, presenta una historia real. Pasión amorosa.
  • Yerma (1934). Maternidad frustrada, infertilidad y fidelidad.
  • Doña Rosita la soltera o el lenguaje de las flores (1935)
  • La casa de Bernarda Alba (1936). Pasiones amorosas, conflictos libertad autoridad, convenciones sociales.

Teatro Lorquiano:

  • Tema principal: la frustración, el conflicto entre la realidad y el deseo. Fuerzas metafísicas (tiempo, muerte) o sociales, frustran a los personajes.
  • Se nutre de varias tradiciones: teatro clásico, drama rural, títeres, Shakespeare.
  • Usa verso y prosa.
  • Mezcla lenguaje culto y popular. Hondura lírica.

La Segunda Mitad del Siglo XX

El teatro del absurdo

Surge tras la Segunda Guerra Mundial.

Enfoca con visiones existenciales de la vida (angustia, muerte, nada, soledad, incomunicación…).

Presenta el sin sentido y la incoherencia de la vida de forma absurda haciendo sentir ese absurdo al espectador.

No intenta aportar soluciones.

Características

  • Temas existenciales.
  • Uso de juegos de palabras sin sentido.
  • Falta de gran argumento.
  • Ambientes agobiantes.
  • Situaciones disparatadas.
  • Personajes incoherentes.
  • Se subvierte la imitación literal de la realidad.

EUGÉNE IONESCO (1912 – 1994)

Franco-rumano.

Su primera obra es La cantante calva. Éxito.

Características citadas (anteriores)

Rinocerontes. Una parte de la crítica la relaciona con la implantación del fascismo y otros ven una implantación del gregarismo.

SAMUEL BECKETT

Irlandés.

Se le considera uno de los dramaturgos más originales del siglo XX y de los más influyentes.

Sus obras rompen con las técnicas tradicionales (carecen de nación y de localización y sus diálogos están llenos de incoherencia).

Sus personajes son seres solitarios, degradados, incomprensibles e incomprendidos.

  • Esperando a Godot
  • El final de la partida
  • Días felices

JEAN GENET

Nacido en París, tuvo una niñez muy dura ya que pasó por reformatorios y prisiones, que luego retrató en sus obras.

Las criadas: Basada en un hecho real, dos hermanas asesinaron a su señor. Las dos protagonistas, a través del diálogo, van a descubrir sus deseos, sentimientos y frustraciones.

El Teatro del absurdo en España

La propuesta teatral de Fernando Arrabal (1932) se caracteriza por la provocación. Sus principales obras: Pic-nic, El cementerio de automóviles.

Posteriormente funda el “teatro pánico”.

El Teatro existencialista

Corriente filosófica en el que el individuo es libre y responsable. Se enfrenta al problema de hacer uso de esa libertad.

Su decisión le provoca sensación de angustia o absurdo, frustración… ya que está sometido a la mirada o el juicio de los otros.

Al contrario que el absurdo, intenta aportar soluciones y un compromiso con la sociedad.

JEAN PAUL SARTRE (1905 – 1980)

Dedicó su vida a la filosofía, literatura, política y la crítica.

A puerta cerrada: tres personajes encerrados juntos para la eternidad se enfrentan a una convivencia imposible ante la mirada y el juicio del otro.

Las moscas: recreación del mito de Electra y Orestes.

ALBERT CAMUS (1913-1960)

Temas como el sufrimiento del hombre, la búsqueda de la felicidad inalcanzable y el absurdo existencial. Muestra la complejidad de la condición humana.

El malentendido: dos mujeres, madre e hija, asesinan por error a su hijo/hermano.

Calígula: se presenta cómo el emperador romano asesina a sus súbditos y abusa de su poder.

EUGENE O’NEAL

Premio Nobel 1936.

Es el suyo un teatro realista que enriquece con elementos psicológicos y filosóficos.

Es considerado el padre del teatro estadounidense.

Su obra más importante es Largo viaje hacia la noche, de carácter autobiográfico, presenta un día en la vida de una familia cuyas relaciones no son fáciles.

El realismo estadounidense

TENNESSEE WILLIAMS (1911-1983)

Todo su teatro está protagonizado por personajes inadaptados, marginados, perdedores y desamparados.

Temas: incomunicación, frustración existencial y conflictos familiares.

Se desarrollan en el sur de Estados Unidos.

El zoo de cristal, Un tranvía llamado deseo, La gata sobre el tejado de zinc caliente, Dulce pájaro de juventud.

ARTHUR MILLER (1915 – 2005)

Ambientes urbanos en los que el individuo sufre una tragedia constante de su vida cotidiana.

Cuestiona el valor del “sueño americano” que convierte al individuo en un fracasado, como sucede en Muerte de un viajante.

Estilo es sencillo y político a la vez.

En Todos eran mis hijos, rechaza la producción de armas.

En Las brujas de Salem, critica la intolerancia a través de un drama histórico.

ALEMANIA: El Teatro Documento

Tras la Segunda Guerra Mundial, se desarrolló un tipo de teatro político que tuvo especial relevancia en Alemania: el teatro documento.

Su origen está en la práctica teatral de E. Piscator en el período de entreguerras, cuando incluían en sus obras textos e imágenes de actualidad.

Un paso más allá, el teatro documento busca mostrar la realidad tal cual es, mediante la utilización de materiales reales en la creación del teatro dramático.

El dramaturgo no inventa una historia, sino que selecciona y ordena en una estructura dramática los documentos que dan testimonio de una historia real.

PETER WEISS (1916 – 1982)

En La indagación utilizó exclusivamente las declaraciones del juicio de Fráncfort de 1963, en el que se juzgó a un grupo de responsables del campo de concentración de Auschwitz.

Discurso sobre Vietnam.

La más famosa, Marat-Sade, que trata del asesinato de Marat representado por un grupo teatral del manicomio de Charenton bajo la dirección del Marqués de Sade. Esta última adopta la forma del teatro dentro del teatro para realizar una profunda reflexión sobre el poder y la revolución.

El Teatro Existencial y Social en España. ANTONIO BUERO VALLEJO

Durante los años cuarenta y cincuenta, una de las principales corrientes fue la de un teatro de corte realista.

Las primeras obras de Buero Vallejo giran en torno al deseo de realización humana (la verdad, la libertad y la justicia…) y sus limitaciones (impuestas por el mundo concreto en el que vive).

Buero se inicia en el existencialismo, con obras de corte clásico, realistas y estructuras cerradas, como Historia de una escalera, con la que gana el premio Lope de Vega en 1949. Utiliza elementos simbólicos.

Posteriormente, para eludir la censura, escribirá una serie de dramas históricos donde critica situaciones o aspectos que también pasan en la época contemporánea, como hace en El sueño de la razón, Las Meninas, El concierto de San Ovidio.

Por último, evoluciona hacia un teatro más experimental en el que la estructura de las obras es más abierta. Las escenografías se hacen más innovadoras (escenarios giratorios, espacios simultáneos…). También presenta perspectivas más subjetivas, al presentar los hechos desde la mirada de algún personaje. La fundación, La detonación.

El Teatro Social en España

A mediados de los 50, las inquietudes de los autores se vuelven más sociales. Se mantiene el realismo, pero ahora la actitud de los autores es de testimonio o protesta ante la injusticia social, la alienación de los trabajadores, la emigración… Empieza a surgir un público más joven, universitario, y la censura se relaja un poco.

En este contexto, destaca Alfonso Sastre, que ya a finales de los 40 y principios de los 50 había estrenado obras existencialistas, como Escuadra hacia la muerte o La mordaza. Ya en los 60, con el auge del teatro experimental, va a desarrollar la “tragedia compleja”, en la que conjuga la tragedia clásica, el teatro épico de Brecht y el teatro-documento de Peter Weiss. Es un teatro en el que intenta transmitir que hay que cambiar el mundo y con el que quiere que el espectador acabe identificándose, como sucede en la tragedia clásica, aunque tras un previo distanciamiento crítico de manera similar a la propuesta de Brecht. Incluye elementos humorísticos (lenguaje, situación o diseño de personajes), vinculados al mundo grotesco y risible de la escena. Asimismo, introduce técnicas novedosas, tales como la fragmentación en múltiples cuadros, la importancia de elementos no textuales (cine, diapositivas, canciones, carteles, grabaciones, juegos de luces…), intervención de un narrador y anacronismos. Algunas de las obras son Guillermo Tell tiene los ojos tristes, La sangre y la ceniza, La taberna fantástica, Crónicas romanas…

Para terminar con el teatro de los años 40 y 50, solo destacar que durante las primeras décadas tras las Guerra Civil se desarrollaron dos corrientes más. Por un lado, la alta comedia, que sigue la línea de la comedia benaventina. De otro, el teatro cómico, que se renueva a través de la introducción de aspectos absurdos e inverosímiles. Los autores más representativos son Enrique Jardiel Poncela (1901-1952) y Miguel Mihura (1905-1977). Ambos tuvieron que contener los aspectos más absurdos para satisfacer al público.

El teatro experimental

En los años 60 surge con fuerza el llamado teatro experimental, que pretende eliminar las convenciones reinantes en la escena y transformar el concepto de espectáculo. Las aportaciones más relevantes de esta corriente al teatro son:

  • Concepto de creación colectiva: los roles de autor, director y actor se mezclan, la implicación del grupo con la obra es total.
  • El texto deja de ser primordial, convertido en un elemento más de la representación.
  • Las obras abandonan el realismo y se llenan de elementos simbólicos.
  • El público pasa a tener un papel activo.
  • El teatro se mezcla con elementos propios de otras artes, como manifestación artística interdisciplinar.
  • Se renueva completamente la escenografía y adquieren importancia elementos como la luz, el sonido, la música, las proyecciones cinematográficas, etc.

En España, el teatro experimental se ha desarrollado gracias a la labor de los grupos de teatro independientes, que proliferaron en los años 60 y 70, entre los que cabe mencionar a Los Goliardos, Akelarre, Els Joglars o Els Comediants –estos dos últimos en activo todavía– y, en los últimos años, La fura del Baus. Los dramaturgos que más aportaciones han hecho a este teatro experimental han sido Francisco Nieva (1924-2007) y Fernando Arrabal (1932).