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Evolución y Características de la Ópera Italiana: Siglo XVII
La Ópera Italiana en el Siglo XVII
La ópera italiana experimentó una profunda transformación durante el siglo XVII, consolidando una forma que perduraría durante doscientos años. Hasta la reforma de Gluck, los rasgos fundamentales fueron:
- Predominio del canto solístico sobre los conjuntos y la música instrumental.
- Separación clara entre recitativo y aria.
- Introducción de estilos y esquemas distintos para las arias, invirtiendo la relación texto-música.
Existían dos enfoques principales:
- Los florentinos veían la música como un accesorio de la poesía.
- Los venecianos trataban el libreto como un andamiaje para la estructura musical.
Claudio Monteverdi y la Ópera Veneciana
Claudio Monteverdi escribió sus últimas dos óperas en Venecia:
- Il ritorno d’Ulisse (1641)
- L’incoronazione di Poppea (1642)
L’incoronazione di Poppea es considerada la obra maestra de Monteverdi, destacando por:
- La descripción profunda de los personajes.
- La representación de las pasiones humanas a través de la música.
En esta ópera se observa una mezcla fluida de:
- Recitativo similar al lenguaje hablado.
- Monodia más lírica y formal.
El Aria Estrofica
La forma predominante en la ópera italiana de mediados del siglo XVII fue el aria estrófica, que también se utilizaba en la música profana. Sus características eran:
- Una forma de musicalizar la poesía sin interferir con la línea de pensamiento del poeta.
- El método de variación: emplear el mismo plan armónico y melódico para todas las estrofas.
- A menudo se basaba en melodías populares (como la romanesca) para asegurar su aceptación.
- Muchos compositores creaban música nueva para la primera estrofa y la reelaboraban en las siguientes.
Chacona y Pasacalle
Dos formas musicales importantes de la época fueron la chacona y el pasacalle:
- Chacona: Probablemente originaria de la América hispana, llegó a España como una canción de danza con un estribillo basado en una pauta sencilla de acordes de guitarra. Se transformó en una forma lírica de bajo.
- Pasacalle: Se originó en España como un ritornello (música con una pauta determinada de acordes de guitarra, tocada antes y entre las estrofas de una canción). Solía estar en modo menor.
Ambas formas compartían la repetición continua de una fórmula de cuatro compases ternarios y tempo lento.
El “Concertato”
El término concertato se refiere a la combinación de voces e instrumentos, donde los instrumentos no solo doblan a las voces, sino que tienen partes independientes. Algunos términos importantes relacionados son:
- Medio concertato: Mezcla de voces e instrumentos con partes instrumentales independientes.
- Madrigal concertato: Madrigal en el que los instrumentos se unen a las voces en igualdad de condiciones.
- Concierto sagrado: Obra vocal de carácter sagrado con instrumentos.
- Concierto instrumental: Pieza para varios instrumentos, donde uno o más instrumentos son solistas y el resto sirve de acompañamiento.
El medio concertato surgió de la práctica de escribir partes individuales para voces e instrumentos o grupos de ellos. El adjetivo “concertato” proviene del verbo italiano “concertare”, que significa “llegar a un acuerdo”.
Ópera y Oratorio: Diferencias y Similitudes
El oratorio se diferenciaba de la ópera en varios aspectos:
- Tema sacro.
- Presencia de un narrador.
- Uso del coro con fines dramáticos, narrativos y meditativos.
- No estaban destinados a ser escenificados (aunque a veces se hacían representaciones).
Ambos géneros compartían el uso de recitativos, arias, dúos, preludios y ritornellos instrumentales.
Heinrich Schütz
Heinrich Schütz fue el compositor alemán más importante de mediados del siglo XVII. Fue maestro de capilla del elector de Sajonia en Dresde y director de música de la corte de Copenhague. Compuso la primera ópera alemana (y otros ballets y obras escénicas), pero la música de estas piezas se ha perdido. Su obra conocida se compone exclusivamente de composiciones religiosas.
La Música Instrumental en el Siglo XVII
Durante la primera mitad del siglo XVII, la música instrumental adquirió tanta importancia como la vocal. Se desarrollaron diversos tipos de composición:
- Fugado: Piezas de contrapunto imitativo continuo (ricercare, fantasía, fancy, capriccio, fuga, verset).
- Tipo de la canzona: Piezas de contrapunto imitativo discontinuo, con mezcla de otros estilos.
- Variaciones sobre una melodía o un bajo: Partita, passacaglia, chaconne, partita coral, preludio coral.
- Danzas y piezas con ritmos de baile: Agrupadas en suites o integradas de forma más estrecha.
- Piezas de estilo improvisado para teclado o laúd: Tocata, fantasía, preludio.
Las técnicas de variación instrumental más comunes eran:
- Repartir la melodía sin apenas cambios.
- Ornamentar la melodía de diversas maneras en cada variación, manteniendo la voz superior y las armonías subyacentes.
- Mantener constante el bajo o la estructura armónica, en lugar de la melodía.
El Style Brisé
El style brisé (estilo quebrado) se basa en esbozar la melodía, el bajo y la armonía, tocando los sonidos en diferentes registros y dejando que la imaginación del oyente complete la continuidad de las líneas. Este estilo surgió de la incapacidad del laúd para sostener las notas y fue adaptado por los compositores franceses al clavecín. El estilo laudístico francés influyó significativamente en la música para teclado y en la composición francesa de finales del siglo XVII y principios del XVIII.