El Palacio Renacentista y su Inserción Urbana

El palacio renacentista abandona cualquier vestigio de fortificación y se inserta en el tejido urbano subrayando su especificidad, uniendo el carácter práctico y el de representación. El palacio florentino conforma una tipología específica según: patio central y fachada de tres pisos, el inferior con vanos pequeños y los dos superiores con ventanas de medio punto, rematado el conjunto con alero.

Palacio Ruccellai. Florencia. Alberti. 1459

La proporción y el orden armónico albertiano regulan la articulación mural exterior según una retícula formada por las pilastras (con los tres órdenes superpuestos) y los entablamentos. Alberti vuelve a asentar un modelo de enorme éxito futuro.

Giuliano da Sangallo y la Villa Medicea

En la II mitad del siglo XV, el arquitecto más importante es Giuliano da SANGALLO (1445-1516). Su villa medicea de Poggio a Caiano. h. 1485 recupera una tipología romana suburbana, lugar de recreo y cultura, de enorme difusión en la Edad Moderna. En su acceso, observamos por vez primera un pórtico columnario de templo clásico dentro de un edificio civil.

Escultura del Quattrocento: El Concurso para las Puertas del Baptisterio

Existe una especie de “carta de presentación” del nuevo estilo en las artes plásticas: el célebre concurso de 1401 para las puertas del Baptisterio de Florencia (S. XII) donde ofrecieron  modelos Brunelleschi y Lorenzo GHIBERTI (1378-1455).

En los relieves presentados por Ghiberti y Brunelleschi al concurso, se percibe, junto a la pervivencia de elementos de la tradición gótica – convencionalismos en el paisaje, perfil lobulado -, otros que provienen de la voluntad de recuperar una tradición clásica que se conoce desde su estudio atento – anatomías, escorzos, paños…

Las Segundas Puertas para el Baptisterio

Las segundas puertas para el baptisterio, ejecutadas por el propio Ghiberti entre 1425 y 1452 muestran ya en toda su plenitud el triunfo de la representación realista en base a un sistema perspectivo monofocal que otorga una evidente unidad compositiva a las escenas.

Emplea una serie de recursos perspectivos: arquitecturas, control sobre las escalas de objetos y figuras, tratamiento de los volúmenes y contornos de las mismas en función de la cercanía al espectador, que marcan una pauta exitosa para la pintura y la escultura del futuro.

Pintura del Quattrocento: La Renovación de las Formas Pictóricas

La renovación de las formas pictóricas es algo más tardía que en las otras disciplinas ya que carecía de modelos clásicos en los que basarse.

Masaccio (1401-1428): Rompiendo con el Gótico Internacional

MASACCIO (1401-1428) es el primer pintor italiano que sabe romper con las elegantes pero nada clásicas formas del gótico internacional difundido en toda Europa y con los rasgos bizantinizantes, presentes ambas influencias en la pintura italiana del siglo XIV. Frescos de la Capilla Brancacci. Iglesia de Sta Mª del Carmine en Florencia. Masaccio. 1424-27

La Trinidad. Masaccio. Santa Mª Novella. Florencia. 1425-27

En este fresco, hito en la historia de la pintura, Masaccio con la colaboración de Brunelleschi, genera un escenario ficticio de arquitecturas clásicas, ordenados todos los elementos desde un orden perspectivo perfectamente articulado al aplicar leyes geométricas. Triunfo de un medio de representación realista para una visión sacra sobrenatural.

Piero della Francesca y la Armonía Geométrica

Piero della FRANCESCA (1429-1492) explora con recursos compositi-vos basados en el orden geométrico, la armonía y la proporción para consolidar un sistema clásico ideal de representa-ción pictórica al que contribuyen el uso de la luz y el color.

Andrea Mantegna y la Experimentación Perspectiva

Andrea MANTEGNA (1431-1506), en Padua, será quien alcance mayores cotas de experimentación con la perspectiva. Cristo muerto. Mantegna. 1480, dotado de una poderosísima fuerza dramática debido al uso forzado e inédito de la perspectiva. Óculo de la Cámara de los Esposos del Palacio Ducal de Mantua. 1474 arquitectura fingida precursora de los trampantojos del barroco en el que aparece un pavo real, unos amorcillos  unas mujeres de origen desconocido, esta obra es un prodigio de la pintura debido a su tratamiento de la perspectiva mediante los escorzos de los personajes

Alberto Durero y el Humanismo Alemán

Alberto DURERO (1471-1528) desde Alemania, fue el artista europeo más trascendente en su particular opción de desarrollo de los principios clásicos italianos. Sus hondas preocupaciones y reflexiones humanistas caracterizan su fundamental obra teórica y práctica. En el desarrollo que Durero lleva a cabo de las nuevas propuestas artísticas venidas del Sur, son fundamentales algunas aportaciones propias, fruto de unas particulares reflexiones teóricas que tendrán una enorme repercusión como ocurre en el caso de sus Autorretratos, que dejan de ser mera plasmación fidedigna de los rasgos y conllevan una nueva imagen del individuo, centro del mundo humanista. Con ellos Durero, además, reflexiona como ningún otro pintor sobre la identidad y la posición del artista. El individuo concreto y el artista, como centros de la creación artística desde unas formas y recursos que hasta ese momento se reservaban exclusivamente a lo sagrado

El Greco y el Manierismo en España

Domenikos Theotocópulos (1541-1614), El GRECO, figura clave del arte europeo renacentista, supo establecer una nueva forma de afrontar la temática religiosa en pleno ambiente contrarreformista. Tras una inicial carrera como pintor de iconos, se establece en Venecia donde se forma en la maniera veneta – preponderancia del color frente al dibujo, que irá enfatizándose en la carrera del griego. El Greco viene a personificar el nuevo estatus del artista atendiendo a su conflictiva relación con los comitentes en cuanto a la defensa de su libertad como creador. Permanecerá El Greco definitivamente en Toledo desarrollando autónomamente un manierismo cada vez más libre, atrevido y colorista, lejos del canon clásico, que se amoldaba perfectamente al gusto de la nobleza y el clero local – espiritualista, emotivo y enormemente expresivo, inmerso en el particular espíritu contrarreformista castellano. Sus imágenes religiosas se pueblan de figuras desmaterializadas y etéreas de raíz mística, situadas en entornos cada vez más indefinidos donde el color es el principal medio expresivo

Caravaggio y el Naturalismo Italiano

Michelangelo Merisi (1573-1619), CARAVAGGIO, es el iniciador en Roma de la tendencia naturalista en la pintura italiana. Su portentosa creatividad parece ofrecer una deseada alternativa a unas fórmulas manieristas ya caducas. El impacto de su pintura es enorme, dando pie a una legión de seguidores aunque, igualmente, se criticó duramente lo que se estimaba no era más que vulgaridad y falta de decoro. Caravaggio parte de la vida cotidiana, poblando todas sus composiciones de figuras populares llenas de un enorme verismo en la plasmación de sus rasgos físicos y emociones primarias, expresadas a través de una gestualidad espontánea. Igualmente revolucionarios fueron sus hallazgos lumínicos, que juegan constantemente con el contraste entre luz y sombra. La luz, fuerte y dirigida, cae directamente en las figuras, separándolas de manera efectista del fondo en sombras, lo que contribuye al dramatismo de la representación. El éxito de estas fórmulas de tratamiento lumínico creará una corriente pictórica en el siglo XVII denominada tenebrismo o claroscuro.

El Barroco Decorativo Romano: La Grandilocuencia y la Escenografía

El barroco decorativo romano. Los encargos oficiales de una Iglesia triunfante y del poder político en la Roma del primer tercio del siglo XVII terminarán por asentar una pintura mural grandilocuente y apoteósica dentro de un concepto pictórico espectacular y cada vez más escenográfico.

Pietro da Cortona y el Triunfo de los Barberini

Pietro da CORTONA (1596-1669), con su decoración al fresco del Palacio Barberini (1633- 1639), Triunfo de los Barberini, recoge la herencia de Carracci en Farnese y la hace avanzar al plantear una composición ilusionista unitaria para desarrollar unas escenas ordenadas a través de una gran arquitectura fingida, a partir de una fastuosa apoteosis central a cielo abierto.

Peter Paul Rubens: El Dinamismo y el Color

PETER PAUL RUBENS 1577-1640 El pintor más famoso y solicitado del barroco europeo, sabrá unir múltiples influencias (sobre todo italianas) en un personalísimo estilo, de enorme influencia, adecuado a las exigencias de cualquier comitente del momento, caracterizado por el dinamismo y el color, verdadera imagen del barroco.  Sus cuidadas y complejas composiciones, llenas de movimiento, se articulan desde la curva y la diagonal, pobladas de figuras de rotunda anatomía – mujer, ejecutadas desde una factura suelta y fluida.

Rembrandt: La Profundidad Psicológica y el Claroscuro

REMBRANDT Hamerszoon Van Rijn (1606-1669), artista cuya potente personalidad unida a su destreza y atrevimiento técnico, hace de su particular pintura algo que trasciende épocas y estilos. Su obra, desde la atenta observación y la sutil plasmación de la conducta, los comportamientos y los estados de ánimo propios de las personas, se cargará de una profunda y conmovedora humanidad. Su lenguaje pictórico viene caracterizado por el empleo del claroscuro caravaggista. El juego con las luces y con las sombras, dotan las composiciones de Rembrandt de un dramatismo evidente. Todo con el deseo de involucrar emocionalmente al espectador en la pintura. Muy pronto comienza a dar muestras de su independencia creativa en unas obras que muestran ya algunos de los elementos característicos de toda su pintura. Cultivará escenas sacras veterotestamentarias ambientadas en contextos exotizantes frente a la opción clásica italiana. Igualmente pinta retratos, autorretratos y pintura de género. -descendimiento de las cruz 1633, ronda de noche 1642, mujer bañándose 1654