Orígenes de la Música en el Cine Mudo

Aunque la música del cine se asocia a la aparición del sonido en las películas (a finales de la década de 1920), ya en el cine mudo se escribían bandas sonoras. En sus orígenes, era habitual encontrar a los intérpretes tocando bajo la pantalla de proyección. La música se asociaba a las imágenes por imitación de lo que era habitual en obras de teatro, operetas y otros tipos de espectáculos anteriores a la aparición del cinematógrafo. A finales del siglo XIX, al inicio de la proyección, se apagaban las luces y comenzaba una obertura de la orquesta. En locales con menos medios, el pianista continuaba acompañando durante toda la proyección, como en Tiempos Modernos de Charles Chaplin.

La Música como Elemento Narrativo y Emocional

Al principio, las piezas clásicas eran catalogadas en función del tipo de escena que podían acompañar mejor: marchas fúnebres para escenas tristes, música romántica y melódica para las escenas de amor, etc. Posteriormente, se comenzó a pedir a los compositores que crearan nuevas obras para acompañar las imágenes. En estos primeros tiempos, los gastos económicos tanto para la producción de la banda sonora como para la contratación de las orquestas eran una alta demanda.

El Impacto del Cine Sonoro

Además de compositores clásicos (Honegger), a partir de los años 20 cada vez son más las películas con una banda sonora escrita por compositores expertos en música de cine. Con El Cantor de Jazz, película que contiene pasajes hablados y pasajes mudos, se inicia la primera etapa importante de la banda sonora: las compañías productoras de cine crean departamentos específicos de música y contratan a compositores, arreglistas, orquestadores, etc.

Compositores y Estilos por Décadas

Década de 1930: Pioneros y el Leitmotiv

A partir de los años 30 se empieza a definir un método de composición basado en el leitmotiv, un motivo melódico muy reconocible asociado a cada personaje o hecho fundamental de la película, recurso que ya utilizó Wagner en sus óperas.

  • Max Steiner: Nacido en Austria, comenzó a trabajar en el cine mudo tras llegar a Estados Unidos en 1913. Escribió la música de películas como King Kong (1933), Lo que el viento se llevó (1939) y Casablanca (1942).
  • Erich Wolfgang Korngold: También austriaco, llegó a Hollywood en 1934 donde empezó a trabajar para el cine.

Década de 1940: Consolidación

Mientras Europa está envuelta en la Segunda Guerra Mundial, Hollywood ha conseguido que la industria cinematográfica sea una de las más prósperas. Aparecen nuevos compositores de talento que dan al cine una música de gran calidad, con lo que la banda sonora adquiere importancia dentro del proceso de creación de la película.

  • Bernard Herrmann: Posiblemente el más respetado de todos los compositores. Su sólida formación musical le permite trabajar en películas como Los viajes de Gulliver.

Década de 1950: Nuevos Sonidos

En esta década, además de la música sinfónica u orquestal, comienza a utilizarse estilos de música moderna como el jazz y el rock.

  • El italiano Nino Rota es el compositor más significativo de estas dos décadas. Integró la música popular italiana con la música sinfónica y creó un estilo propio y reconocible que también trasladó a sus obras para concierto.

Década de 1960: Pop y Jazz

La competencia con la televisión dio lugar a la producción de películas de gran espectacularidad y formatos de pantalla grande. En este sentido, la década de los 60 se caracteriza por la incorporación de la música pop al cine.

  • Henry Mancini es el compositor más destacado (Desayuno con diamantes, La Pantera Rosa).
  • John Barry: Trabajos para la serie del agente James Bond. Líneas de composición más reconocibles con el empleo de la cuerda para crear atmósferas y relajadas melodías, como Memorias de África y Bailando con lobos.

Ennio Morricone: Un Estilo Único

Ennio Morricone: Recorre todos los géneros cinematográficos, desde el drama y la comedia pasando por el cine social y político, el cine de terror y por supuesto el western, para el que creó un nuevo tipo de sonido. Su música tiene calidad melódica y capacidad para emocionar (Cinema Paradiso).

A partir de 1970: Sinfonismo y Canciones

Se combina la música sinfónica con influencias de otros tipos de música y se amplían las posibilidades con la incorporación de canciones de pop y rock de fama reconocida. Estos hechos tienen su precedente en Elvis Presley, que protagonizó y cantó en varias películas.

  • John Williams: Considerado el compositor más destacado de esta época y uno de los más notables de toda la historia del cine. A comienzos de los 70 inicia una etapa en la que pone música a varias producciones y encuentra un camino hacia la música sinfónica espectacular que le llevará hasta sus trabajos para La Guerra de las Galaxias, lo convierte en el compositor más comercial e imitado del momento.

La Música de Cine Hoy: Fusión de Estilos

Cada vez es más habitual encontrar canciones conocidas como reclamo comercial de las películas.

  • James Horner: Consigue convertirse en uno de los compositores más especiales con títulos como Titanic.
  • Hans Zimmer: El Rey León o Gladiator.

El Género del Cine Musical

Se estrenó The Broadway Melody, película que incluye escenas cantadas y bailadas. Se considera el primer ejemplo de cine musical, y consiguió tal éxito que los siguientes años tuvo lugar una auténtica fiebre por este tipo de películas. Se distinguen dos tipos:

  1. El ambientado en un cabaret o un teatro, etc., en el que los números musicales forman parte del mundo filmado, como por ejemplo, Cabaret o Ha nacido una estrella.
  2. Surge el modelo de ópera, en el que los actores en cualquier momento de acción interpretan bailando y cantando, por ejemplo, Grease.

En los 50, Gene Kelly destacó. West Side Story, una versión musical y actualizada de Romeo y Julieta, a la que puso música Leonard Bernstein. En las últimas décadas se han rodado algunos trabajos cuyo argumento es la propia música, recreada históricamente: Amadeus y Farinelli.

Películas Emblemáticas y su Banda Sonora

Cotton Club (1984) – Francis Ford Coppola

En el Cotton Club de Harlem, Nueva York, el más famoso club de jazz de la ciudad en los años 30, coinciden el trompetista Dixie Dwyer, el gánster Dutch Schultz y la bella Vera Cicero, para disfrutar del siguiente show:

  • Club Calloway y su Big Band
  • Sandman, bailarín de claqué
  • A black lady sings a ‘hot blues’
  • Dixie sube al escenario
  • Número final de Sandman y el final del holandés.

Tiempos Modernos (1936) – Charles Chaplin

La historia de Tiempos Modernos es una crítica feroz a la era de la mecanización, señalando las injusticias sociales y la lucha por sobrevivir en el mundo moderno.