23 A finales del siglo XIX, la creación y difusión musical basada en la notación alcanzó su máximo desarrollo. La sinfonía resurgió gracias a la consolidación de la vida concertística en grandes ciudades y al interés de compositores que enriquecieron la música sinfónica. La renovación de los conciertos, la transformación de las salas en templos de arte y el auge de grandes orquestas fortalecieron un repertorio sinfónico duradero, símbolo de orgullo nacional. Además, el poema sinfónico evolucionó con formatos híbridos que permitieron la experimentación armónica. 24 A finales del siglo XIX, el **impresionismo** sintetizó la identidad musical francesa, con **Debussy** como su principal exponente y París como epicentro cosmopolita. Este estilo reemplazó la armonía tradicional basada en terceras por una relación acorde/escala, combinando técnicas clásicas y modernas. Vinculado a la Nueva Escuela, los impresionistas rompieron con el pasado, buscando belleza y erotismo mediante la disolución del pulso, el arabesco melódico, el distanciamiento de las formas clásicas, el refinamiento tímbrico y el uso de instrumentos como la flauta y el arpa, manteniendo la armonía dentro de un ámbito consonante.25 Tras la unificación italiana, surgió el **verismo**, un movimiento literario naturalista. La ópera verista adoptó la continuidad dramática y musical wagneriana, pero con un lenguaje armónico cercano al impresionismo francés y un estilo cantable, eliminando la obertura. Además, la fundación de la orquesta de la Academia de Santa Cecilia de Roma fue clave para revitalizar la música sinfónica e instrumental, promoviendo un repertorio y lenguaje italiano y el desarrollo de una musicología italiana, que se materializó en el **neoclasicismo**, caracterizado por el regreso a los formatos barrocos y clásicos.


Sinfonía No. 3 (1er mov), Brahms Este movimiento, en forma de sonata en Fa mayor con una extensa coda, inicia con una fanfarria de maderas y metales. Su tema principal recuerda a un concierto barroco. La transición presenta un tema en Fa mayor y modulaciones en terceras mayores. La zona secundaria, en tonalidad de Mi bemol, tiene dos secciones: una expositiva con estructura ABA’ y otra con un motivo auxiliar en arpegio descendente. El desarrollo cierra el círculo de terceras y concluye en Fa mayor, lo que da paso a la recapitulación. La coda reintroduce el tema principal, lo elabora y finaliza con una cadencia perfecta. Chaikovski: Sinfonía nº6 (1er mov.) su relación con el decadentismo y su homosexualidad en el contexto del siglo XIX. Destaca cómo su música, pese a su popularidad, fue criticada por su emocionalidad y estilo melódico. También se examina la innovadora estructura de la sinfonía, su carga autobiográfica y su influencia en compositores posteriores como Mahler. Rompe con el esquema tradicional al finalizar con un movimiento lento y elegíaco en lugar de un final triunfal. Mahler: Sinfonía nº2 (1er mov.) La sinfonía de Mahler fusiona influencias de Beethoven, Liszt y Bruckner, alternando entre oscuridad y luz con un lenguaje innovador. Inspirada en pérdidas personales, evolucionó de un réquiem a una visión de resurrección, consolidando a Mahler como un visionario. El viaje emocional inicia con incertidumbre sobre el sentido de la vida (1° mov.), sigue con recuerdos felices (2° mov.) y un grito de angustia ante la irracionalidad de la existencia (3° mov.). Luego, una súplica serena por la salvación aporta esperanza (4° mov.), culminando en un final apoteósico donde el coro proclama la resurrección y la vida eterna. Preludio a la siesta de un fauno, Debussy La obra está compuesta por tres secciones principales y una coda. La sección B tiene características de desarrollo, mientras que la A’ es una recapitulación, y tanto A como A’ están conectadas por una melodía. La sección A presenta la melodía del fauno transformada en tres momentos clave: un arabesco entre do# y sol, una figura sobre mi mayor, y la nota final la#. La segunda sección se divide en dos partes: los juegos amorosos del fauno y su éxtasis frustrado, que es el clímax de la obra. La última sección rememora la melodía del fauno cuatro veces y la coda concluye con una cadencia final en mi mayor.


D’une Matin du Printemps, Boulanger Esta obra tiene una forma musical entre la forma ternaria y la forma sonata (ABDesarrolloA’). El tema principal en Mi frigio está presidido por un motivo de doble puntillo y escalas. El tema B es un motivo descendente de cuatro notas derivado de los materiales auxiliares del tema A. El desarrollo hace circular al tema A por diversos registros armónicos e instrumentales. Por último, la recapitulación se alcanza después de un satisfactorio *crescendo* y se cierra de forma brillante con un acorde en Mi menor. Strauss: Salome (Danza de los siete velos) escandalizó por su libreto basado en Oscar Wilde y su música innovadora y disonante. La ópera, de estilo expresionista y decadentista, rompió con la tradición wagneriana y consolidó a Strauss como vanguardista. Inspirada en ideas de Nietzsche, Freud y Weininger, Salome presenta una protagonista femenina perversa y destructiva, reflejando el temor a la emancipación de la mujer y la crisis de valores en la sociedad de la época. Schönberg: Pierrot Lunaire (nº1 Mondestrunken) Revolucionó la música con su *Sprechstimme* (canto-hablado) y un innovador ensamble instrumental. Encargada por la cantante de cabaret Albertine Zehme, la obra fusionó el expresionismo con el cabaret. Su atonalidad y estructura libre desafiaron la música tradicional, influenciando a generaciones de compositores y el desarrollo de nuevas teorías musicales. Se convirtió en un hito del expresionismo musical, utilizando recursos como cánones y fugas. Su lenguaje atonal retó los métodos tradicionales de análisis, impulsando teorías musicales como la teoría de conjuntos de clases de altura. Puccini: Madama Butterfly (dueto Acto I) Puccini, el último gran compositor de ópera italiana, refinó el verismo y tuvo una gran influencia internacional. Madama Butterfly es un ejemplo de orientalismo decimonónico con un enfoque realista, alejándose de los clichés románticos. La obra incorpora melodías japonesas auténticas. En el Acto I, el cónsul advierte a Pinkerton sobre la sinceridad de Butterfly y el riesgo de herirla con su boda. Casella: Pupazzetti describe en su autobiografía su formación musical en Turín y París, donde se rodeó de figuras como Ravel y Stravinski. Su obra Pupazzetti (1915), influenciada por el Futurismo y la música de Stravinski y Schönberg, combina géneros tradicionales con innovaciones como la politonalidad. A pesar de recibir críticas en Italia, la obra muestra un enfoque neoclásico al reinterpretar estilos antiguos con una visión moderna y disruptiva.


La consagración de la primavera, Stravinski El ballet comienza con un fagot en registro sobreagudo. La segunda sección tiene un *ostinato* melódico rítmico de cuatro negras y un pasaje percusivo con acentuaciones irregulares. La tercera sección presenta la melodía 142 de Juszkiewicz y termina con un trino de flautas sobre Mi bemol. En la cuarta sección, tras el trino, los clarinetes tocan una melodía y luego empieza una marcha con dos melodías. La quinta sección se basa en dos melodías, y la última finaliza con la superposición de *ostinatos* regulares e irregulares, con semicorcheas en los metales. Danzas folclóricas rumanas, Bartok La versión de Bartok está orquestada para cuerda y clarinetes y consta de seis danzas. La primera tiene estructura AABB con una breve introducción y utiliza una escala eolia/dórica. La segunda está en modo dórico y tiene estructura AA, la primera sección llevada por el clarinete y la segunda por los violines. La tercera tiene estructura AABBCCBB con la melodía para flautín. La cuarta tiene estructura AABB y está acompañada por un patrón rítmico asimétrico. La quinta tiene estructura AABB y está en modo lidio, y la última con estructura ABABB y coda está en modo *maqum kurd* en ritmo binario. Concierto de Aranjuez (2º mov) Este movimiento es monotemático y tiene estructura ternaria con una sección central de desarrollo en la exposición. Cada uno de los semiperiodos del tema principal es expuesto por el corno inglés y después por la guitarra en Si menor. Después, una breve transición modula a Fa# menor dando paso al desarrollo. Este consta de cuatro secciones, en las que en las impares el solista desarrolla el tema principal y las pares son sendas cadencias solistas en Mi y Sol# menor. La segunda de estas alcanza un clímax que enlaza con la recapitulación realizada en Fa menor y que constituye el momento culminante de toda la obra, después, la coda conduce al final con un acorde Si mayor


Falla: El sombrero de tres picos (Danza de la molinera) fusiona elementos folclóricos españoles con influencias modernistas, especialmente de Stravinski. Aunque la obra tiene influencias del nacionalismo romántico y cita melodías populares, también busca modernizar y estilizar ese folclore. Falla, aunque inicialmente influenciado por el folclore, evolucionó hacia un enfoque en capturar el “espíritu” de la música popular en lugar de reproducirla literalmente. La obra combina elementos auténticos del folclore español con un estilo propio, que la hace única y con resonancia universal. Milhaud: El buey sobre el tejado es un ballet sinfónico inspirado en su estancia en Brasil. Aunque la trama está ambientada en un bar durante la ley seca en EE. UU., la música se basa en melodías brasileñas urbanas. Milhaud utiliza la politonalidad de forma moderada y estructura la obra como un rondó, alternando temas brasileños con secuencias de tonalidades ascendentes. Reutiliza melodías populares como “Ferramenta” y “São Paulo futuro” para dar cohesión a la pieza. Carmina Burana (Cour d’Amours), Carl Orff El estilo orffiano es la mezcla del motor stravinskiano, un lenguaje tonal cuasi-modal y una inspiración melódica incluida por el folclore bávaro, aunque los Carmina Burana pueden equiparse también a un oratorio barroco. En concreto, esta sección de la obra sugiere una escena de cortejo amoroso que termina con la unión de los amantes y consta con una línea melódica cuyos saltos evocan un estilo medieval, el empleo de la escala acústica, un interludio satírico, un pasaje con características polimodales y polimétricas, cambios de humor y un himno coral que es el único proceso modulante de toda la obra.


26 La vida musical germánica a principios del siglo XX estuvo marcada por la tradición sinfónica y el drama musical wagneriano, con el gran formato sinfónico-coral como el más exitoso. Además, el **expresionismo** surgió como corriente contracultural, liderada por **Schönberg** y la Segunda Escuela de Viena, proponiendo una música más íntima y perturbadora. En 1908, rompió con la atonalidad. En la República de Weimar, una nueva generación de músicos continuó manteniendo viva la estética expresionista. 27 Los **nacionalismos musicales** del siglo XX surgieron de un mayor conocimiento de las fuentes folclóricas y la ruptura con el sistema tonal, lo que permitió una actitud más libre frente a las tendencias internacionales. La música nacional se integró de manera más auténtica y fiel a sus raíces, y se buscó llevar la sonoridad folclórica a un ámbito global. Se enriqueció la armonía con técnicas impresionistas y se experimentaron nuevas formas de producir sonido en los instrumentos. En España, se adoptó el neocasticismo de Joaquín Rodrigo como referencia estética. 28 El período de entreguerras (1918-1939) estuvo marcado por tensiones políticas, como la caída de imperios y el ascenso del fascismo y el bolchevismo. Esto influenció la música, que rechazó las formas románticas en favor de estilos más modernos. El **Neoclasicismo** se convirtió en la estética dominante, con compositores como Stravinski y Schönberg adoptando esta corriente. También surgió la “música contemporánea”, con nuevas asociaciones y festivales para promover la música de vanguardia, aunque esta era rechazada en los espacios tradicionales, creando una desconexión entre compositores y público.