La ópera en Francia

Hacia el año 1700, la ópera italiana gozaba de una enorme popularidad en el resto de Europa occidental. El género italiano sólo se rechazaba en Francia; aquí los compositores emprendieron el cultivo de un estilo nacional francés derivado de sus fuertes tradiciones del ballet cortesano y la tragedia clásica. El resultado fue la tragédie lyrique, que combinaba coloristas y suntuosas escenas de baile con coros espectaculares en argumentos de amor cortesano y aventuras heroicas. El compositor más importante fue Jean-Baptiste Lully (1632-1687), cuyas obras le procuraron el favor de la corte real francesa de Luis XIV. Lully fue el primero que consiguió adaptar el recitativo a las inflexiones de la lengua francesa, y ejerció una influencia decisiva en la configuración de la obertura francesa.

La ópera en Inglaterra

Cobró popularidad entre la aristocracia la máscara inglesa, un tipo de entretenimiento que combinaba la música vocal e instrumental con la poesía y la danza. En el periodo republicano que siguió, las representaciones teatrales se prohibieron, pues los puritanos consideraban el teatro una invención del diablo. Sin embargo, una obra dramática puesta en música podía pasar por un concierto. Era esencialmente obras escénicas con una generosa mezcla de canciones para solistas, conjuntos y números corales intercalados con piezas instrumentales. John Blow dio un importante paso hacia la ópera con su Venus y Adonis, toda ella cantada; esta obra allanó el camino para la primera gran ópera inglesa, Dido y Eneas del discípulo de Blow Henry Purcell.

Henry Purcell: su vida y su música

Fue el compositor Henry Purcell el que colocó a Inglaterra en una posición de liderazgo en el mundo de la música. La breve carrera de Purcell comenzó en la corte de Carlos II y se extendió a lo largo del turbulento reinado de Jacobo II hasta entrar en el periodo de Guillermo y María. En estas cortes ocupó diversos puestos como cantante, organista y compositor. Purcell fue, en verdad, una figura internacional.

Dido y Eneas

Dido y Eneas se basa en un episodio de la Eneida de Virgilio, la antigua epopeya romana que relata las aventuras del héroe Eneas tras la caída de Troya. Como el público barroco conocía bien este clásico de Virgilio, el libretista Nahum Tate pudo comprimir el argumento y sugerir más que ahondar en los detalles. Eneas y sus hombres naufragaron ante la ciudad de Cartago, en la orilla septentrional de África. Dido, la reina cartaginesa, se enamora de él y es correspondida. Pero Eneas no puede olvidar que los dioses le han ordenado proseguir su viaje hasta llegar a Italia, pues está destinado a ser el fundador de Roma. Él no quiere hacer sufrir a la reina, pero sabe que debe partir.

Haendel y la ópera barroca tardía

En el Barroco tardío, la ópera estuvo dominada por Haendel, un alemán. Tras formarse en Alemania e Italia, en 1711 se ganó a la aristocracia inglesa con su ópera Rinaldo. Esta fue la primera ópera italiana expresamente escrita para los escenarios de Londres y la primera de las muchas que Haendel escribió para el público londinense. Rinaldo fue la ópera más representada en la vida de Haendel.

La ópera presenta algunos de los pasajes vocales y orquestales más impresionantes de Haendel. En el aria del acto I, la hechicera. Varios melismas dan realce a su pasión, incluida una línea ascendente sobre la palabra. Este es un hermoso ejemplo de aria da capo ABA con rica ornamentación añadida por los instrumentos y la voz en la repetición de A.

Lo que hay que prestar atención: protagonismo del oboe en el ritornello; presenta el tema vocal inicial. Dramatismo, energía y ritmos de fuertes ascensos que describen al peligroso personaje. Repetición del texto para mayor realce, etc.

Barbara Strozzi y la cantata secular italiana

El Barroco heredó la gran polifonía vocal del siglo XVI mientras que, al mismo tiempo, los compositores encontraron un nuevo interés en la monodia. De la fusión de estos estilos nació la ópera así como otra nueva forma barroca, la cantata.

La cantata es una obra para uno o más vocalistas solistas con acompañamiento instrumental basada en uno de los tres géneros poéticos: lírico que expresa la emoción personal, dramático que se escribe para una representación teatral y narrativo que cuenta una historia.

Las primeras cantatas breves e íntimas solían basarse en un texto secular, constaban de varias secciones distribuidas entre recitativos y arias. Uno de los más importantes fue Carissimi, el compositor de óperas Antonio Cesti.

Barbara Strozzi: su vida y su música

Es una figura única del Barroco temprano. Era hija adoptiva del poeta y dramaturgo veneciano Giulio Strozzi:

Giulio supervisó la educación de Barbara y su introducción en la élite intelectual de Venecia a través de una academia por él fundada.

Sus talentos musicales fueron elogiados por sus contemporáneos, uno de los cuales destacó su atrevida y garbosa manera de cantar, y otro comparó su voz con la armonía de las esferas. Aunque Barbara no ostentó ningún puesto musical oficial en la corte, en las iglesias o en el teatro, sí publicó muchas de sus composiciones.

Prolífica compositora de música de alta calidad, Strozzi escribió 7 colecciones seculares que incluían madrigales, arias y cantatas así como un libro de motetes sacros para voz a solo.

Begli Occhi, una breve cantata sobre un poema lírico para dos sopranos y continuo perteneciente a su colección de 1654. Esta obra se caracteriza por muchas alternancias entre ritmos sin compás y abruptos cambios de tempo y humor.

Bach y la cantata sacra

Las cantatas barrocas podían basarse en temas seculares o sacros. El maestro del Barroco tardío Bach las escribió de ambos tipos, pero son sus cantatas sacras las que constituyen su legado. En la tradición luterana, a la que Bach pertenecía, la cantata sacra formaba una parte integral del servicio religioso.

La mayoría de los domingos del año eclesiástico requerían su propia cantata. En el segundo cuarto del siglo XVIII la cantata alemana había absorbido el recitativo, el aria y el dúo de la ópera, la pompa de la obertura operística francesa y el dinámico estilo instrumental de los italianos. El coral luterano aportaba el punto de referencia unificador de estos elementos.

El coral luterano

Un coral es una tonada himnica específicamente asociada con el protestantismo alemán. Los corales servían como combativos himnos de la Reforma.

Lutero y los demás reformistas crearon los primeros corales adaptando melodías del canto gregoriano, música secular e incluso tonadas populares. Originalmente cantados al unísono, estos himnos no tardaron en escribirse en una armonía a cuatro partes y ser cantados por el coro.

En las elaboradas cantatas cantadas en el servicio religioso protestante, el coral servía de hilo unificador.

Haendel y el oratorio

El oratorio es un género dramático de grandes dimensiones con un texto religioso o bíblico cantado por voces solistas, coro y orquesta; no requiere escenografía.

Haendel fue conocido por sus óperas italianas y más tarde por sus oratorios con textos ingleses.

El Mesías: en la primavera de 1742 la ciudad de Dublín acogió el estreno de una de las obras más apreciadas mundialmente. La composición le llevó 24 días.

El Mesías es un oratorio de tres partes; comienza con una obertura francesa y contiene recitativos (secco y accompagnato) arias líricas y majestuosos coros, incluido el famoso Aleluya.

El texto del Mesías lo forma una compilación de versículos del Antiguo y el Nuevo Testamento.

Audición Nº 18 Molto Voglio, Molto Spero (Mucho Quiero, Mucho Espero)

Género-timbre: vocal, profano, acompañamiento de instrumentos, voces mixtas. Melodía-texto: melodía de ámbito estrecho y por grados conjuntos, texto en italiano, estilo silábico con algún melisma. Ritmo: binario definido, con fuertes acentos y rápido. Textura: melodía acompañada por la orquesta. Dinámica: marcada por el texto sube y baja. Contextualización: es una aria de la obra Rinaldo, de Haendel publicada en 1711. Haendel fue un alemán que se convirtió en una figura internacional y que dominó la ópera en el Barroco tardío. Tras formarse en Alemania e Italia se ganó a la aristocracia inglesa con Rinaldo, una ópera basada en Jerusalén liberada. El capitán de los cristianos promete matrimonio a su hija Almirena al cruzado Rinaldo si consiguen liberar la ciudad de los musulmanes. La hechicera Arminda seduce a Rinaldo para que abandone a sus soldados y rapte a Almirena pero él lo rechaza y junto al victorioso ejército rescata a Almirena.

Audición Nº 19 Begli Occhi (Hermanos Ojos)

Género-timbre: vocal profano, acompañamiento de instrumentos, voces femeninas. Melodía-texto: melodía de ámbito estrecho y por grados conjuntos, texto en italiano, estilo melismático y silábico. Ritmo: ternario definido, alternancia lento-rápido. Textura: melodía acompañada, polifonía de las dos voces. Dinámica: marcada por el texto sube y baja. Contextualización: es una cantata secular italiana publicada en 1654 de Barbara Strozzi cuya letra es un poema amoroso. Barbara Strozzi fue una célebre cantata y compositora de cantatas, madrigales y motetes a solo en el virtuosista nuevo estilo que se convirtió en una figura única del Barroco temprano.

Audición Nº 1 Dido y Eneas

Género-timbre: vocal, profano, acompañamiento de instrumentos, voces mixtas. Melodía-texto: melodía de ámbito estrecho y por grados conjuntos, texto en inglés. Estilo silábico con algunos melismas. Ritmo: definido, lento y ternario. Textura: polifonía imitativa a 4 voces en el coro. Contextualización: es una de las obras más importantes de la ópera inglesa compuesta por Purcell. Henry Purcell comenzó su carrera musical en la corte de Carlos II y después ocupó diversos puestos como cantante, organista y compositor. Se convirtió en una figura internacional. La obra Dido y Eneas se basa en la Eneida de Virgilio y trata del amor entre Eneas, un héroe navegante y Dido, la reina cartaginesa. Ambos se separan porque Eneas debe seguir su viaje y Dido muere por el dolor.