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La Música en el Periodo Barroco
Introducción al Barroco Musical
En el siglo XIX, el término Barroco se empleó para designar un nuevo estilo de pintura y arquitectura del siglo anterior. Desde la crítica del arte, el término pasó a la Historia de la Música, aplicándose a un período que abarca desde finales del siglo XVI (1575) hasta 1750.
Zonificación del Barroco Musical
La nación más importante en el Barroco musical fue Italia, aunque su supremacía no fue absoluta. Según Bukofzer en su libro “La música en la época barroca”, entre 1580 y 1730 aproximadamente, podemos distinguir tres períodos:
Primer Barroco (1580-1630)
Durante este período prevalecieron dos ideas: oposición al contrapunto e interpretación muy violenta de las letras. La armonía tenía carácter experimental y pretonal. Se inició la diferenciación entre los idiomas vocal e instrumental, dominando todavía la música vocal. Algunos compositores importantes de esta época son Monteverdi y S. Felipe Neri.
Barroco Medio (1630-1680)
Dio pie a la creación del estilo del “bel canto” aplicado a la cantata y a la ópera, y con él surgió la distinción entre aria y recitativo. Se volvió a utilizar la textura contrapuntística. Los modos se redujeron a mayor y menor. La música instrumental y vocal tenía la misma importancia. Destacan compositores como Lully y Pachelbel.
Barroco Tardío (1680-1730)
Se caracteriza por una tonalidad plenamente establecida. La música instrumental dominó a la vocal. Algunos compositores importantes de este periodo son Antonio Vivaldi, J. S. Bach y Rameau.
La Ópera en Inglaterra
- Antecedentes de la ópera: El Masque
- Compositores: Henry Purcell, Haendel
La Ópera en Alemania
- Compositores: H. Schütz
- Desarrollo del Singspiel
Recursos Estilísticos del Barroco
La Policoralidad
Surge en Venecia y Roma. Al aumentar indefinidamente el número de voces, requiere el uso de varios coros contrapuestos, que se colocan en diferentes partes de las iglesias. Dentro de la misma línea está el recurso estilístico del uso del eco, que consiste en que un coro contesta a otro, imitando el eco.
Monodia Acompañada
El Barroco busca poner música con eficacia a los textos dramáticos o líricos. Se toma como modelo la monodia antigua. Los textos son interpretados por solistas y se expresa su contenido afectuoso. Como acompañamiento aparece un nuevo bajo continuo.
El Bajo Continuo
En cuanto se destruye el principio de igualdad de las voces típico de la polifonía renacentista, al querer destacar una voz sobre las restantes, implica la aparición de una nueva voz, es lo que conocemos con el nombre de bajo continuo.
La diferencia entre la concepción renacentista y la barroca, consiste en que en la primera, las voces en polifonía tienen la misma importancia y cierta independencia, mientras que en el Barroco todo gira en torno a las voces extremas.
De esta forma la nueva estructura que surge será una melodía principal, un bajo que la sostiene, y una armonía que rellena el espacio sonoro entre ambas.
El Estilo Concertado
Es la expresión máxima de la ley del contraste. Se puede considerar como el recurso más destacado de la música barroca junto al “bajo continuo”.
El concertato consiste en unir contrastando los diversos elementos que entran en una composición musical, voces e instrumentos, o grupos de unos contra grupos de otros. Se origina en el policoralismo veneciano.
El Movimiento
Se caracteriza por un sentido de movilidad y antiestaticidad muy marcado, de algo que fluye. En el Barroco surge lo que Bukofzer llama “pulsación mecánica y ritmos extremos”.
Otros Recursos Estilísticos
- El cromatismo: uso de la escala cromática, para hacer la música más sensual y expresiva.
- La disonancia: La novedad es que en este período se usará con mayor profusión y no habrá límites como ocurría antes (sólo en tiempos débiles).
- La coloratura o conciencia colorista: Los compositores descubren que los diferentes instrumentos pueden producir diferentes matices.
La Organología en el Barroco
Entre el inicio del Barroco y el posterior desarrollo de este, muchos de los instrumentos de finales del Renacimiento fueron desapareciendo.
Así como el siglo XVII comenzó tímidamente con la música puramente instrumental, en el siglo XVIII alcanzará un gran desarrollo, rivalizando con los géneros vocales.
El Barroco perfeccionará los instrumentos para que se puedan conseguir con ellos velocidades máximas. Los instrumentos favoritos serán: el violín y el clave junto con la flauta de pico. Se generaliza el actual clarinete con las llaves.
Desde Vivaldi se generaliza también en la orquesta el uso de trompeta y trompa natural con tubos de recambio. Así seguirían las cosas hasta Beethoven.
El fagot y el oboe que ya existían perfeccionan también sus sonidos violentos y estridentes, añadiéndoseles llaves.
El violín adquiere una gran importancia por su capacidad expresiva, potencia de sonido y por la agilidad de ornamentación y de producción de sonido; este instrumento permitía ejecuciones rápidas y movimientos extremos.
Por ello es en este periodo cuando se da el florecimiento de los grandes constructores de Cremona, como Stradivarius, Amati y Guarnerius.
Después de la introducción del violín en la orquesta y su consagración en la época de Corelli, comenzarán a florecer en el siglo XVIII diferentes escuelas para perfeccionar la técnica interpretativa.
En esta época asistimos también al nacimiento del piano al reemplazar Cristófori hacia 1709 los cañones de plumas del clave por los macillos en un instrumento al que llamó “gravicémbalo col piano e forte”. Al abreviarse posteriormente esta frase italiana quedó el nombre de “piano forte”.
De este modo el ejecutante podía producir a voluntad, según la presión de la tecla, sonidos más suaves o fuertes.
En cuanto a la orquesta de la primera mitad del siglo XVIII, ésta no era aún la clásica, sino la de cámara que procedía del “concerto grosso” coreliano sobre bajo continuo ejecutado por el clave y otros instrumentos graves.
Compositores Barrocos Destacados
- Alemania: Heinrich Schütz, Johann Pachelbel, Johann Sebastian Bach.
- Inglaterra: Henry Purcell, Georg Friedrich Händel.
Introducción a la Música Vocal del Barroco
El Barroco es un período en el que se sitúa el nacimiento de la Ópera y otros géneros vocales. La música vocal va a presentar numerosas variantes dependiendo de si es música religiosa o profana, según la situación geográfica en la que se desarrolle, según la ideología religiosa, etapa, cronología etc.
En este tema distinguiremos entre Música vocal profana centrada en la ópera con sus variantes geográficas y cronológicas y la Música religiosa centrada en el Oratorio, la Cantata y la Pasión.
Nacimiento de la Ópera
Los compositores de madrigales del siglo XVI compusieron música para intermedios. En los madrigales que tenían diálogos por textos, se sucedían combinaciones de voces para representar a los diversos personajes; el estilo era declamatorio y silábico que contrasta con la textura normal polifónica.
El madrigal se va adaptando a la técnica del bajo continuo y se convierte en una pieza solista con acompañamiento.
La Ópera Italiana en la 1ª mitad del S. XVII
El empleo continuo de los intermezzi burlescos napolitanos populares en las óperas tradicionales, hace que pronto se separen de ellas para formar un nuevo género: la “Ópera Bufa”.
Nos encontramos por primera vez con dos tipos de ópera atendiendo al argumento: la “Ópera Seria” y la “Ópera Bufa”.
La Ópera Bufa era una especie de caricatura de la vida napolitana, es de carácter popular, y los protagonistas son personajes de clase media.
Fue Giovanni Battista Pergolesi el que llevó el nuevo género a su máximo desarrollo, con su ópera más famosa “La Serva Padrona” ejerció influencia en el nacimiento de la ópera cómica francesa.
La ópera bufa tiene su explicación por el espíritu crítico del siglo que encontró en ella el medio para criticar y satirizar las costumbres de la época.
La Camerata Florentina
La Camerata Florentina es un grupo de poetas, músicos, literatos (humanistas), bajo el apoyo de mecenas que se reunían para hablar de todo tipo de temas, no sólo musicales. Estas cameratas querían recuperar la monodia en detrimento de la polifonía y el contrapunto.
Los humanistas creían que los griegos eran capaces de obtener efectos dramáticos cargados de fuerza con su música. Los compositores que pusieron en práctica estos ideales fueron Peri y Caccini.
- Caccini: desarrolló un tipo de composición principalmente silábico.
- Peri: Se basó en las necesidades teatrales buscando una solución entre el habla y el canto, naciendo así el estilo recitativo.
El recitativo y el aria son las formas características del teatro musical, desde su origen a comienzos del siglo XVII (Barroco).
Desde un punto de vista estrictamente musical, las diferencias son:
- El recitativo no tiene una pulsación fija, sino que es una especie de declamado musical, a medio camino entre el canto y el habla, mientras que el aria sí presenta una pulsación fija y más o menos estable.
- El recitativo suele estar acompañado exclusivamente por un bajo y un instrumento armónico (frecuentemente un clave), que simplemente puntúan las frases del cantante, mientras que el aria suele tener un acompañamiento instrumental.
La Ópera en Francia
- Antecedentes: Ballets de Cour.
- La Tragedia Lírica: Jean Batiste Lully
Jean Batiste Lully
Sus óperas (a las que denominaba tragédie lyrique) estaban basadas en las tragedias clásicas de sus contemporáneos. Desde el punto de vista musical, sus óperas son solemnes y majestuosas, con un énfasis especial en la claridad del texto y las inflexiones de la lengua francesa. Sus elaborados espectáculos de danza y sus coros de gran majestuosidad tienen su raíz en el ballet de cour. Las óperas de Lully contrastan con el estilo italiano de ópera de la época, en donde se daba prioridad al lucimiento del cantante. Entre sus obras cabe citar Perseo (1682), Amadís de Gaula (1684) y la ya mencionada Acis y Galatea. La importancia de Lully reside en las mejoras que impuso. En la ópera francesa abandonó el recitativo secco y lo sustituyó por un recitativo con acompañamiento artístico. En los ballets, introdujo danzas más rápidas que las que se interpretaban.
La orquesta Lully la dividió en dos grupos, el gran coro y el pequeño coro que alternaban entre sí obteniendo un contraste que daba variedad y ligereza.
Sus obras son: “Persée”, “Roland” y “Armide”.
Sucesores de Lully: Campra y Rameau.
Música para Clavecín y Clavicémbalo: La Suite
En Francia consiste en la unión de muchas piezas. En Alemania la suite del siglo XVII estaba formada por cuatro danzas: allemande, courante, zarabanda y giga. Su estructura es de 4 movimientos.
El Oratorio
Es una composición vocal instrumental con partes líricas y dramáticas sobre textos bíblicos o religiosos pero sin escenografía ni acción.
El oratorio surge de representaciones sagradas italianas del siglo XVI.
En el siglo XVII se distinguen dos tipos de oratorio:
- El latino compuesto sobre textos bíblicos y en latín (se hará dentro de la iglesia).
- El vulgar basado en textos libres en lengua italiana aproximado al ambiente popular.
Entre los principales cultivadores del oratorio se encuentra Carissimi, quien fijó la forma oratorio; él introduce el narrador que dan paso a los grandes coros.
Stradella será el continuador de Carissimi.
Alemania: La Cantata
La cantata no es más que un oratorio en pequeño, es una composición para una y varias voces con acompañamiento e intermedios orquestales destinado a la iglesia (cantata a la iglesia) o al concierto (cantata de cámara).
Italia: La Cantata
Compositores destacados: Alessandro Scarlatti, Pergolesi (Stabat Mater), Vivaldi (Magnificat).
Alemania: La Cantata
Además de Haendel y Bach están Keisser, Mattheson y Téleman. George Friedrich Haendel (1685-1759) “El Mesías”.
Música para Órgano
Durante el Barroco tardío se cultivaron en Alemania tres tipos de composición para órgano: Toccata, La fuga, Composiciones corales.
La Sonata Instrumental
Es una composición para un pequeño grupo de instrumentos (2 ó 4) con un bajo continuo y que consta de varias secciones o movimientos de tiempos y texturas contrastantes. Sonata de Chiesa, Sonata da camera.
El Concierto
A partir de 1700 se escribían tres tipos diferentes de conciertos:
- Concierto orquestal: Obra orquestal de varios movimientos. Un estilo que destaca el primer violín y el bajo, las características son las de la sonata.
- Concerto grosso (gran concierto)
- Concierto solístico
Ambos contrastaban sonoridades, en el “concerto grosso” un grupo pequeño de solistas dialogan con el grueso de la orquesta (tutti), y en el “concerto solístico” es el solista el que dialoga con el grueso de la orquesta.
El compositor que más contribuyó al desarrollo del concierto hacia fines del siglo fue Giuseppe Torelli.
El más prolífico compositor de conciertos fue Vivaldi; destaca en ellos su colorido, frescura, vigor rítmico y claridad en su forma.
Muchos de sus conciertos son para un solo instrumento solista con orquesta, violín. Vivaldi fue el compositor que otorgó al movimiento lento del concierto la misma importancia que a los allegros.