Aspectos de un empresario

TEMA 1. FUNDAMENTOS DE LA ESTÉTICA

Estética

– Perteneciente o relativo a la percepción o apreciación de la belleza.

– Lo artístico, de aspecto bello y elegante. Armonía y apariencia agradable a la vista Que tiene alguien o algo desde el punto de vista de la belleza.

– Ciencia que trata de la belleza y de la teoría fundamental y filosófica del arte.


– Conjunto de elementos estilísticos y temáticos que caracterizan a un determinado Autor o movimiento artístico.

Preguntas frecuentes de la estética: ¿Qué hace algo bello?, ¿Cuál es el patrón de Belleza?

Lo bello es lo relativo al gusto. Lo que ahora se considera bello, con el tiempo, puede No considerarse así́.

1. Lo estético

– Actitudes estéticas y no estéticas

Esto puede generar, o no, una serie de relaciones con el objeto, o con parte de la Naturaleza observada. Placer, sensaciones, implicación personal y posesión(actitud no Estética)

·∙ Actitud estética:
forma de contemplar el mundo (diferente a la actitud práctica)

·∙ Actitud práctica: sólo interesa la utilidad.

– Contemplación abstraída de la necesidad: produce placer.

– Cuando contemplamos algo y nos produce alegría: produce Sensaciones. 


(Al conocer un objeto, afecta negativamente, por lo que puede ser actitud no estética, Ya que 

deja a un lado la percepción estética)

– No puede existir al observar algo: implicación personal (puede Desorientar a la percepción; el 


observador debe ser imparcial).
– Puede influir a la hora de observar un objeto desde el punto de vista

estético: posesión. 

Podemos ver todas las actitudes estéticas y no estéticas en “David de Miguel Ángel”.

– Otros criterios

·∙ Relaciones internas y externas: no sólo hay que contemplar la obra en sí misma, Sino ver su relación con el entorno.

·∙ El objeto fenoménico: se debe tener en cuenta lo perspectivo del objeto, no lo físico Como se ha hecho. Lo que ni vemos ni oí́mos es importante para la percepción Estética.

2. Filosofía del arte

Versa sobre todas las dimensiones del arte (quedando fuera la naturaleza y todo lo Realizado por el hombre, es decir, todo lo que nos rodea), pero no todos los objetos Creados como obras de arte son concebidas estéticamente. También algunos objetos Son concebidos como obras de arte (Mercedes-Benz de los años 50). El punto Intermedio es la arquitectura. También hay objetos útiles, como la artesanía, que Normalmente se han considerado arte.

– Clasificación de las artes

En función del medio por el que se expresa el arte.

– Artes auditivas (música), visuales (pintura), arte simbólico (literatura) y artes mixtas (cine)
– Conceptos y medios

·∙ Asunto: Aquello de lo que trata la obra de arte (no todas las artes tienen por qué Tenerlo).

·∙ Tema: Puede ser diferente al asunto. Es lo que engloba la obra de arte.

·∙ Representación: De objetos y obras de arte.

·∙ Significado: ¿Qué significa una obra de arte? Sólo la literatura da un significado, ya Que se utilizan palabras con significado.
$- Aspectos de las obras de arte ·∙ Valores estéticos

– Valores sensoriales: sólo cuando se disfrutan de las sensaciones que da El objeto, no del objeto en sí.

– Valores formales: entendemos la forma separándola de la figura, no Como unidad/conjunto.

– Valores vitales: valores externos a la obra, pero de los que se nutre la Obra para su realización 


(sentimientos que produce la obra).
– Contextualismo vs. Aislacionismo


·∙ Contextualismo: Sostiene que una obra de arte debe considerarse en un contexto, Ya que así́ se enriquece la obra.


·∙ Aislacionismo: Contemplar la obra de arte sin ningún conocimiento previo para no Contaminar su percepción.
– Teoría del Arte

·∙ Teoría formalista: Sólo importa el medio. Sólo se consideran los valores sensoriales Y formales (textura, color, figura…). La apreciación estética de la forma es constante a Lo largo del tiempo.


·∙ Teoría (arte como expresión): Expresión como proceso-

Producto

·∙Teoría (arte como símbolo): Las obras de arte son signos icónicos del proceso Psicológicos que tiene lugar en los hombres y, específicamente, en los sentimientos Humanos.
– Arte y verdad


Un juicio estético no es un juicio sobre la verdad o falsedad del sentido estético. – Arte y moralidad


El juicio estético no es un juicio de moralidad (el valor de una obra de arte, en cuanto A objeto estético, no tiene nada que ver con su función para mejorar la moralidad de Las observaciones).

3. El valor de lo estético

– Teoría subjetivista

Defiende que en los objetos estéticos no se dan propiedades de belleza. La belleza es Una propiedad que varí́a según el observador. Es una relación personal entre el Observador y la obra de arte.

No hay placer ante el objeto. Algo puede parecer bueno y no gustar.
– Teoría objetivista

El valor estético se basa en la misma naturaleza del objeto, en sus cualidades, y no en La relación con el exterior o con el observador. En función del tipo de objeto se podrá́ Definir su belleza (según dos cánones en función del objeto):

·∙ Cánones generales:

– Unidad: bien organizado y formalmente perfecto.

– Complejidad de la forma: es apreciado por su escala, utilidad y riqueza En contraste.

– Intensidad en relación a su identidad: tiene calma y quietud (para Elogiarla). 


·∙ Cánones específicos: color, forma…

Pueden ser sustituidos por la capacidad del objeto de crear una respuesta estética (cumplir su producir una respuesta estética en el observador.

Es importante tener estos cánones para poder elogiar una obra.
Función),

TEMA 2. IDEAS ESTÉTICAS Y DE SU EVOLUCIÓN

Para analizar las ideas estéticas y su evolución hay que centrarse en su historia. Para ello, se hace un recorrido histórico en orden cronológico, abogando en Otros campos, como en filosofía. Será en el Siglo XX cuando tendrá́ su auge por Sí solo.

1. Grecia clásica–400a.C

– Platón

Abordó todos los problemas estéticos principales, recogidos en “La República”, la Gran obra de este autor. En la obra, el placer que produce la melodía y ritmo se Identifica con la belleza (“todo debe tener una disposición ordenada, unidad y un Comienzo, mitad y fin”).

Conceptos:

– Arte como destreza o imitación: destreza para designar cualquier arte o trabajo e Imitación para descubrir que son imágenes y apariencias engañosas.

El arte es el alejamiento de las formas (naturaleza).

– Belleza: lo que es agradable a través de los sentidos (vista y oí́do). Lo bello toma las Proporciones mediante el cálculo matemático. La proporción y la medida invariables Proporcionan belleza y excelencia.

– Arte y conocimiento: se debe tener un conocimiento previo del objeto original, de la Exactitud de la copia, de la percepción de la copia y de cómo se ha copiado.

– Arte y moralidad: el arte, al poseer belleza, produce placeres puros, sin alteraciones E inocuo. El arte tiene un efecto moral; está educado para su no utilización, de ahí́ la Responsabilidad social del creador.
– Aristóteles

Es discípulo de Platón, pero tiene otro punto de vista sobre la estética tratada en su Obra poética (a través de la tragedia).

Conceptos:

– El placer de la imitación: considerar el placer estético básico como algo capaz de

conocer (cognoscitivo). ¿Cómo algo que imita la tragedia puede producir placer si es Trágico?.

– El placer de la belleza: disposición en la melodía y ritmo como un impulso Decorativo. Según Platón la melodía y el ritmo puede referirse al placer que produce La belleza. Una cosa bella, ser o cualquier estructura compuesta por partes ha de Tener no sólo una disposición ordenada sino también un tamaño que no es casual (unidad, orden, comienzo, intermedio y fin).

– Filósofos clásicos posteriores

Englobados en escuelas ideológicas, donde se desarrollaba el escepticismo, estoicismo, Epicureísmo y neoplatonismo.

– Estoicismo: la belleza depende de la disposición de las partes.

– Neoplatonismo: Destaca el filósofo Plotino que expuso que la simetría no era Condición necesaria para la belleza. La forma y la unidad si se encuentran en la Belleza. Algo homogéneo está unificado por sí mismo, y algo heterogéneo está Unificado por la forma.

2. Edad Media – S. V d.C. – S. XV

d.C.(Renacimiento)

No hay interés por los problemas estéticos, los cuales no formaban parte de la filosofía Medieval, era más importante la relación con la religión. El arte está enfocado por el Marco religioso. La estética no es muy importante. El peligro de la belleza es que Pasara a la idolatría.

– San Agustín

Recoge varios conceptos claves sobre la estética relacionados con la fe. Conceptos:
 Unidad, número, igualdad, proporción y orden.
– Santo Tomás de Aquino

Habla de la belleza como aquello que agrada a la vista, parte de bondad y depende De la forma.

La belleza incluye 3 condiciones:

– Integridad o perfección: lo inacabado es feo (está roto o incompleto).

– Proporción/armonía: la relación de las partes con el todo y con el observador tiene Que ser proporcionada a la vista.

– Luminosidad/claridad: trata del esplendor de la forma que se difunde por las partes Proporcionadas de la materia.

3. El Renacimiento– S. XV–S. XVI

(Descubrimiento de América)

Se producen una evolución estética de la rigidez religiosa. Hubo un desarrollo Dogmático hacia la antigüedad clásica que era más libre que la Edad Media. Hay una Mayor relación con la naturaleza. El hombre se establece como unidad de medida, Dejando la escala religiosa regida anteriormente.

El proceso filosófico más relevante de esta época fue la revitalización del Platonismo y Neoplatonismo.
Artistas como Leonardo da Vinci.

4. La ilustración – S. XVII –

Principios del S. XIX

El arte comienza a predominar. Los pensadores sostienen que la razón humana podía Combatir la ignorancia, superstición y tiranía y construir un mundo mejor. Hay un Estilo estético, y los movimientos destacados son el Racionalismo cartesiano (Francia) y El Empirismo (Inglaterra). Expresión estética Neoclasicismo.

– Empirismo: trata los principios estéticos, el problema del gusto y las cualidades Estéticas.

– Gusto: se intenta lograr un adecuado análisis y explicación de cualidades estética Básicas, la belleza y “lo sublime”. Se hace un estudio de la naturaleza y la justificación Del juicio critico (problema del gusto). Se establece lo sublime como una cualidad Estética distinta a la belleza en referencia a las formas vírgenes, impresionantes e Irregulares de la naturaleza.


Dos autores:

1. Francis Hutcheson

Realizó el primer tratado de estética, análisis donde puso de manifiesto Que percibimos la belleza de un objeto cuando presenta una mezcla adecuada de Uniformidad y variedad. La belleza varí́a en función de otras características.
!

2. David Hume

En su obra, define que la belleza es aquel orden y disposición de las Partes que, o por constitución primaria de nuestra naturaleza o por costumbre, Capricho… Resulta apto para producir placer y satisfacción al alma.

– Cualidades estéticas: Cualidades que suscitan belleza y sublimidad en el Observador.

5. El idealismo alemán (En la

ilustración) –Finales S. XVIII –

Principios S. XIX

– Kant. Centra sus argumentos sobre la estética en dos aspectos:

– Los juicios del gusto. Kant estudia en su obra “análisis de la belleza” y establece 4 Momentos:

1. Relación: satisfacción independiente del deseo.

2. Cantidad: aceptación general de lo bello.

3. Cualidad: forma del objeto.

4. Modalidad: satisfacción estética que no tiene que ser compartida (subjetividad). – Lo sublime. Obra “Análisis de lo sublime”. Lo estético tiene consistencia por sí Mismo, independientemente del deseo, el interés, el conocimiento o la moralidad. Ejemplo: Rococó́ (pintura estilo histórico).

– Hegel. En su obra “Filosofía de las Bellas Artes”, define a la belleza cuando el arte (la idea) se encarna en forma materia.

6. El Romanticismo – Finales S

XVIII

Movimiento revolucionario que se opone a todo lo relacionado con el Racionalismo de La ilustración y el clasicismo, confiriendo prioridad a los sentimientos buscando la Libertad y rechazando las reglas estereotipadas.

Los Románticos conciben el arte como expresión de las emociones personales del Artista. Se estudia los aspectos ya tratados como la expresión emocional, la Imaginación y el simbolismo. Autores a destacar por sus reflexiones sobre el arte: Schopenhauer y Nietzsche.

7. El Siglo XIX

Medios donde se desarrolla la historia: los movimientos artísticos, el historicismo, la Arquitectura industrial y el Modernismo (finales s.XIX).

El Siglo XIX está marcado por la Revolución Industrial y la lucha de clases. Los Cambios políticos, económicos y sociales a causa de la Revolución Francesa y la

aparición de la industria moderna plantearon una nueva forma de pensamiento Estético, centrado en la relación del artista con la sociedad.
Esto se desarrolla en 4 vertientes:

– El arte por el arte: se independiza el artista de la sociedad.


– Realismo: el arte es una reproducción de la realidad, y a veces sirve para Explicarla.

– La responsabilidad social: el arte tiene fuerza social y relación con la libertad Del obrero.

– Tolstoi: denomina “El arte grande”: Es aquel que impulsa a los hombre a unirse, y Cuando no cumple esta misión sólo puede ser un mal social.

8. Evolución contemporánea –A lo Largo del S. XX

A lo largo del Siglo XX es donde la estética ha tenido mayor desarrollo y han surgido Numerosas teorías. La primera es la metafísica.

– Teorías metafísicas: estética como ciencia de las imágenes o el conocimiento Intuitivo.

El arte es expresar, en sentido subjetivo, impresiones autoclarificadas de la conciencia. Benedetto Croce.

– Naturalismo: Jorge Santayana (filósofo) describe que la belleza es un placer Objetivado.Convierte la belleza en algo objetivo.


John Dewey define el arte como la culminación de la naturaleza, como una Experiencia que, además de agradable en sí misma, aporta una celebración y Conmemoración de cualidades ideales para la cultura de la sociedad donde el arte Desempeña su papel.


El Naturalismo se basa en la belleza de la naturaleza en todas sus vertientes.

– Enfoques semióticos: Richards describe que la belleza y otros juicios estéticos Pueden formularse como puramente emotivos. Marshall indica que los símbolos Estéticos son intuitivos, el arte puede ser también un símbolo, tener significado y Comunicar algo.

– Marxismo-leninismo: Marx y Hengel comenzaron los principios básicos de Estética que posteriormente lo desarrollaron los teóricos marxistas y se basa en que el Arte es el reflejo de la realidad social. Una primera corriente desarrollada por Plekhanov sostenía el “arte por el arte” y el aislamiento del artista con la sociedad.

El resto de los pensadores se basaron más en que el arte debí́a ser una expresión de la Fuerza social (Teoría de Engels)


– Fenomenología y existencialismo: Se trata la autonomía de la obra de arte Sobre sus cualidades objetivas, con independencia tanto del artista como del Observador, es decir, la obra de arte no tiene en cuenta el contexto del artista, Tratándola de forma objetiva


– Empirismo: No se trata del gusto y las cualidades estéticas como en la Ilustración, Sino que reduce el análisis de la estética a la ciencia empírica (psicología). Busca un Razonamiento al porqué de las obras de arte científicamente, apoyándose en la razón.

TEMA 3. SEMIÓTICA

La semiótica (o semiología) es una ciencia reciente que estudia los signos en la vida Social, teoría general de los signos. Los signos son todos los métodos de comunicación. ¿Semiología o semiótica?
– Semiología se utilizaba por autores europeos (F. De Saussure). – Semiótica se asocia a La literatura (C. Sanders Pierre).

1. Acercamiento a la semiología

A principios del Siglo XX, F. De Saussure decía que la semiología era una ciencia que Vení́a de la psicología social.

Pierre decía que la semiología era una lógica en sentido general, su libro “La Semiología”. Estos dos autores son los “padres” de la semiología.

La semiología engloba no sólo un estudio de comunicaciones por medio de señales no Lingüísticas, sino la noción del signo y del código como formas de comunicación Social. Semiología= forma de comunicación (ya sea por medio del lenguaje, ritos o Reglamentos) La semiología son también el estudio de las artes y la literatura, como Modo de comunicación basado en el empleo de sistemas de signos (se considera que la Literatura tiene mayor comunicación).

2. Funciones del signo

La función del signo es comunicar ideas por medio de mensajes. Para ello, se requiere De un emisor, un mensaje y un receptor. Ese mensaje lo transmitimos del emisor al Receptor mediante un medio, y tendrá́ un código (letras, números…) y un referente (imagen…). La función será según el medio (medio de comunicación: tv, radio, Internet….).

Varios tipos de funciones:

– Función referencial: base de la comunicación. Define la relación entre el mensaje Y el objeto al que se hace referencia (a un gato de asignamos la palabra gato).

– Función emotiva: define la relación entre el mensaje y el emisor (la actitud que Tiene el emisor con respecto al objeto).


– Función connotativa: marca las relaciones entre el mensaje y el receptor. Esta Función puede dirigirse a la inteligencia (códigos de señalización, STOP…) o a la Afectividad (códigos sociales y estéticos, publicidad…).

– Función estética o poética: es la relación del mensaje consigo mismo. En el arte, El referente es el mensaje, que deja de ser un instrumento de la comunicación para Convertirse en su objeto. Ese objeto, más allá́ de los signos inmediatos, son portadores De su propia significación (tienen su propia semiología).


– Función fática: es una función de aproximación y tiene por objeto afirmar, Mantener o detener la comunicación anterior del mensaje consigo mismo. El Contenido de la comunicación tiene menos importancia que la misma.

– Función metalingüística: tiene por objeto definir el sentido de los signos que Corren el riesgo de no ser entendidos por el receptor. Desempeñan un papel Considerable en todas las artes (un retrato puede ser un objeto de diversas Interpretaciones según el estilo).


El título muchas veces remite al código adoptado que al contenido del mensaje.

El arte no tiene como función hacernos comprender las sensaciones percibidas sino Hacernos experimentar frente a una imitación (interpretación) de la realidad.

3. Signo y significado

El signo es una marca de una intención de comunicar un sentido (como las nubes Alertan lluvia). El signo implica 2 términos: el significante (lo que significa) y el Significado (significación o sentido que tiene ese signo).

En los códigos poéticos, el significante puede remitir a varios significados, y viceversa. El signo es mas abierto (tiene más opciones de comunicar). Sin embargo, en lengua Científica, cada significado corresponde a un significante, y viceversa.

En la ciencia todo está relacionado y determinado, pero en el arte no. Una obra de Arte puede tener varios significados, en función de los receptores (el signo es más Abierto). Los códigos científicos eliminan las posibilidades de variaciones estilísticos y De connotaciones que en cambio se multiplican en los códigos poéticos.

El signo tiene una sustancia y una forma. En ocasiones, estas sustancias o formas nos Llevan a un signo concreto (como la señal de STOP a parar).

– Niveles de significación del mensaje: un mensaje tiene 2 niveles de Significación.


Un sentido técnico (basado en uno de sus códigos) y un sentido poético (dado por el Receptor a partir de sistemas de interpretación implícitos, socializados y Convencionalizados por el uso).
A medida que se logra consenso en cuanto a la significación de estos signos, podemos Considerar que adquiere el estatus de código técnico. Los códigos técnicos son un

sistema de relaciones objetivas, reales, observables y verificables, mientras que los Códigos estéticos crean representaciones imaginarias que adquieren valor de signos en La medida que se dan como un doble del mundo real.

El mensaje estético es análogo a lo surreal, representan una realidad que los signos Técnicos no son capaces de crear. Un código estético no se puede definir como código Técnico, ya que no hay consenso.

4. Códigos estéticos

Los códigos estéticos que nos hemos referido con anterioridad: el de la experiencia Lógica (códigos técnicos) y la experiencia afectiva (códigos estéticos) corresponden a un Sentimiento íntimo y puramente subjetivo, que emite un individuo con respecto a la Realidad.
Estética: modo de expresión de las artes. Estético no sólo se aplica a lo bello, sino También a lo concreto y sensible.

Las artes son modos de figuración de la realidad, y los significantes estéticos son Objetos sensibles.
Las artes son representaciones de la naturaleza y de la sociedad, que pueden ser Reales/imaginarias, visibles/invisibles, objetivas/subjetivas.

Las artes utilizan los medios y códigos correspondientes, pero a partir de la primera Significación, crean significados y significantes.
El mensaje estético no tiene una simple función transitiva de conducir hasta el Sentido, sino que tiene un valor en sí mismo (mensaje-objeto).

5. Hacia una semiología del arte

Agustín Ramos Irizar en su libro “Semiología del discurso artístico”, ¿El arte es un Medio de comunicación?: desde este punto de vista, el arte con su semiología Comunica algo como un elemento dentro de los fenómenos culturales y como Fenómenos de comunicación que sirve a los fines de comunicación entre remitente y Destinatario. Las obras de arte pueden tener unos valores que en principio no Necesariamente tienen que ser lo que el autor quería transmitir al crear su obra,

por ello, esos valores no tienen por qué ser menos válidos, lo que ocurre es que el Receptor intérprete puede considerar asuntos no tenidos en cuenta por el autor, o Simplemente añadir datos de fuentes que él conoce y que no necesariamente conoce El emisor.


En relación al sentido de una obra de arte tiene dos aspectos implícitos:

– Explicación

– Interpretación

Se pueden considerar como un discurso no verbal, para que algo tenga sentido tiene

que haber un contexto en el que sea identificable.

La semiología analiza, critica, pone en cuestión el signo y puede encontrarse en Cualquier práctica translingüística ya sea plástica, mímica…

– Análisis semiológico de una obra de arte

Vamos a estudiar los diferentes niveles semiológicos considerando la importancia de la Interacción entre los aspectos figurativos y las evocaciones estéticas. Vamos a ver una Obra de J.L. David, “Marat asesinado” que era de la Revolución Francesa. Las obras De David presentan notables muestras de ideas filosóficas y lingüísticas, recrea en sus Obras los valores de heroísmo, revolución, autoridad… En esta obra junto con el Espacio, la figura y los objetos que aparecen en ella, le vamos a añadir conocimientos De la historia y de la política y con esto vamos a organizar un discurso de esta obra. La obra de arte constituye un sistema de valores que entran en juego componentes Ideológicos y lecturas en clave histórico-político.

En 1793, durante la revolución francesa, muere Jean-Paúl Marat que fue asesinado Por una joven aristócrata.

Un cómité revolucionario encarga a David que represente a Marat (periodista y Diputado parisino, teñí́a un periódico donde escribí́a a favor de la revolución, Defendí́a a los pobres…) para llevar a este personaje a escalafón de mártir con lo cual, Con esto si el autor de la obra y el objeto son revolucionarios, se está planteando un Alegato a favor de la revolución.

David representa el rostro de una manera dulce, con rasgos de heroísmo, virtud muy Alejados del aspecto real que teñí́a el personaje, concretamente este personaje está Representado en una bañera porque una persona que teñí́a una enfermedad, el Médico le recomendaba baños calientes.

David antes del día de su muerte lo vio en la bañera.

Por otro lado, hablando del fondo, es un fondo negro y sirve para destacar el primer Plano y por otro lado, representa la austeridad del personaje, un personaje humilde, Todo lo relacionado con la revolución.

Como vemos la forma del personaje, nos recuerda la figura principal de todos los Mártires de la religión católica –Jesucristo- para que ayude a que el personaje llegue al Escalafón de mártir (revolucionario).

Por otro lado tenemos la caja, una caja que utilizaba Marat para apoyarse a escribir y Representa también la humildad. Donde el autor firma la obra.

Tipología de letra: clásica porque con ella quiere representar una fecha concreta del Nuevo calendario revolucionario.

Añade objetos que no había en la escena, como es el caso de la carta


sobre la caja y un billete y esto simboliza que había recibido una carta

de la viuda de un revolucionario con 5 hijos que había muerto por la

revolución.

Tenemos otro objeto más, un cuchillo que simboliza quién había

Causado esta atrocidad dejando ahí́ testimonio de ello, haciendo ver

que aun así́ prevalece este pensamiento revolucionario en la figura de Marat como Mártir.

!6. Diseño y semiología
El diseño es una disciplina que no solo produce objetos sino que también tiene

función comunicativa (Bernard Burdek). A lo largo de la historia no se ha prestado Atención a la función comunicativa ya que el diseño está centrado en otras funciones Prácticas, servicios económicos… En otros campos, en arquitectura sí se toma la Comunicación desde el momento que se empieza a tener operaciones creativas. La Forma de los objetos emiten señales que influyen en la percepción y en el Comportamiento – Ejemplo: los muebles teñí́an función comunicativa. Hay que Entender el lenguaje de comunicación.

Hay que saber de qué tipo de mueble se trata, no sólo ver la función del objeto, sino el Entorno en el que se va a mostrar. Centrándonos en el uso laboral, debe satisfacer las

necesidades de la persona pero también tiene que representar la posición jerárquica.
 Humberto Echo exponía el caso del trono de un rey.
La forma de los objetos emite señales que influyen en la percepción y Comportamientos del observador. Como diseñadores, se debe de entender este Lenguaje y tener capacidad para que el objeto comunique al usuario y hay que tener Capacidad de crear objetos que transmitan ese lenguaje. Para esto es necesario Familiarizarse con el repertorio de signos del usuario correspondiente. Los signos Sociales y culturales utilizados. Este aspecto es crucial para el estudio de las funciones Simbólicas del producto que no se refieren a experiencias visuales inmediatas, por Tanto, se establece una de las relaciones más importantes en el diseño industrial, la Relación objeto- usuario – Ejemplo: Los coches de lujo.

1. Terminología

– Definición de diseño

1. Traza o delineación de un edificio o de una figura.

2. Concepción original de un objeto y obra destinados a la producción en serie (Diseño gráfico, de modas, industrial).

3. Forma de cada uno de estos objetos (El diseño de esta silla es de inspiración Modernista).

En relación con la segunda y la tercera destacamos el carácter proyectual: Ya se Piensa en algo para después fabricarlo. De aquí́ se deduce el factor creativo Conceptivo, el ideal que tiene la actividad de materialización posterior.

En relación a la primera definición podemos comparar el diseño con un dibujo Artístico, comparten la representación gráfica, sin embargo, las técnicas de realización Y la finalidad no son las mismas.

El diseño, como disciplina, tiene una concepción relativamente creciente (a partir de Los 60’s).

A pesar de que últimamente se ha relacionado el concepto de diseño con el diseño Industrial, no todo el diseño es industrial.

TEMA 4. DISEÑO INDUSTRIAL. DEFINICIÓN Y METODOLOGÍA

2. Diseño y diseño industrial

El diseño industrial se puede considerar como una disciplina dentro del diseño, Entendiendo ésta última como una actividad proyectual.
– Diseño desde una perspectiva general

Es una actividad proyectual, una actividad organizativa orientada a alcanzar un Resultado material buscado. Esta actividad implica una concepción creativa a una Consecución real y material de lo diseñado y a conseguir unos resultados materiales Con unos determinados factores previamente determinados. Todo el proceso es Calculado y preparado previamente sin que nada sea aleatorio o quede al azar.

·∙ Funcionalidad y finalidad
No sólo nos referimos al término funcional como un término con una única función
 –Ejemplo: Lámparas (una funcional y otra ornamental).

Pero también hay que considerar funciones ornamentales, funciones simbólicas…
 Esta funcionalidad está orientada al uso y disfrute de la sociedad. La relación entre el Objeto y el individuo es mayor que en el caso de las obras de arte, donde existe un Distanciamiento entre el individuo y el objeto.
Los productos de diseño tratan de dar solución a problemas cotidianos ya sea en el Trabajo, ocio…
·∙ Industrialismo
Existe, también, una relación fomentada por muchos autores, que es entre el diseño y El industrialismo. Ya existí́a ese diseño antes de la revolución industrial en cuanto a Actividad proyectual. No de igual forma que conocemos el concepto de diseño hoy en Día pero ya existí́a. Un ejemplo de diseño son los ejemplos urbanísticos (teñí́an Actividad proyectual).
·∙ El diseño del entorno
Todo lo que rodea al hombre de tipo artificial está diseñado. Los objetos que rodean Al individuo conforman su entorno, junto con el medio ambiente. El diccionario de Estética AKAL resalta el diseño como la disciplina que busca armonizar el entorno. Definición de diseño: Actividad proyectual de carácter contextual y cultural que Como tal, busca conseguir, mediante un proceso deliberado y consciente, unos Resultados formales, a fin de cubrir unas determinadas necesidades humanas, Contribuyendo al mismo tiempo a la configuración del medio socio-ambiental en el Que se desenvuelve la vida cotidiana de las personas.
$- Definición y concepto de Diseño Industrial

Recogen la proyección de productos que van a ser realizados por procesos

industriales. Por lo tanto, se tiene en consideración factores como la seriabilidad, Repetitividad, o la interacción donde la mano humana es complementaria a la Máquina, al contrario que con el proceso artesanal.

El diseño industrial se remonta desde la aparición de la máquina (Revolución Industrial, S. XVIII-XIX). Ejemplo: La locomotora.


– Uso común, que se debe de contemplar en sentido de relación directa, inmediata y Cotidiana no en sentido de utilidad.

– La propiedad formal, no solo entendido como aspecto o rasgo externo del objeto, Sino en cuanto a la forma como factores funcionales simbólicos-culturales, técnicos- Económicos, productivos, mercantiles… Todos ellos unificados y materializados en la Configuración exterior.


El coeficiente social lo aporta Soloviev entendiendo el producto industrial como Producto integrado en la sociedad que forma parte de ésta.

Término de estética: Varios autores dan bastante importancia a la estética en el Producto.

– Definición de Diseño industrial

Esta definición quedaría como actividad proyectual cuyo objetivo es la determinación De las propiedades formales y el carácter estético de los objetos de uso común Producidos industrialmente teniendo en cuenta según diversos criterios las Posibilidades económico-mercantiles y el contexto socio-ambiental para el que se Destina.

Dos puntos de vista para completar:

– Visión formalista: está orientada principalmente a la forma y a la Estética frente al resto de factores. Se busca crear formas atractivas para el mercado y Esta visión se encuadró en el movimiento de styling norteamericano. En esta visión se Tiene la concepción del diseño más artístico-estético donde la expresión creativa se Manifiesta en la innovación de la forma convirtiéndose en el criterio principal y Oponiéndose a la visión funcionalista.

– Visión funcionalista: esta concepción define la belleza de los objetos Útiles en virtud de su adecuación a la función para la que se destina y por tanto la Forma debe seguir a la función. La función determina la forma. La forma adecuada a La función conduce a la belleza. Se suele asociar a la búsqueda de la esencia de los Objetos, descartando los superfluo realizando líneas depuradas y simples buscando la Pureza geométrica, la claridad estructural y la ausencia de brillos, reflejos y Decoraciones.

Esta visión funcionalista fue representada por el movimiento moderno. Buscaban Diseños universales y atemporales. 


Estas dos corrientes fueron muy significativas en el Siglo XX, aunque también existen Varias corrientes dentro del diseño industrial ahora tienen un mayor desarrollo, Buscando otras funciones independientes de esa visión formalista. Es el caso del Diseño dando prioridad a la ergonomía.


Otra corriente de diseño es teniendo en cuenta la calidad del medio ambiente, Ecodiseño, en la utilización de materiales y fomentar todos aquellos productos que Sustituyan o fomenten la reducción de CO2, ejemplo la bicicleta.

Otro aspecto es la seguridad, (design for safety) Ejemplo: Arnés de seguridad.


Por último el diseño experimental que son las últimas tendencias y en lo que están Trabajando los diseñadores de hoy en día. 

·∙ Diseño y rediseño 

Estas dos tareas diseño y rediseño, están realizadas por el diseñador y hay que Considerarlas en distinta medida ya que sus objetivos son diferentes.


Por un lado, el diseño proyecta un objeto que no existe, sí existe la necesidad pero no El objeto. No sólo se limita a aportar prestaciones a los objetos ya diseñados, sino También una novedad o innovación. $$$$$$

Por otro lado, el rediseño opera sobre objetos ya existentes y realiza Fundamentalmente dos operaciones:

– La primera establece una reelaboración formal (face-lifting)

– En segundo lugar, se mejora integralmente el diseño incluyendo Aspectos funcionales, 


técnicos, productivos… 

·∙ Interdisciplinaridad del diseño 


El diseño por la propia naturaleza del objeto industrial, se debe de acudir a multitud De disciplinas para poderse realizar. 

·∙ Relación del diseño industrial y la estética 

La estética tiene una mayor presencia en el diseño industrial que las otras disciplinas.
 En esta relación, presente en los apartados anteriores, hay una vinculación que se Hace patente por la conformación formal del objeto.


Su fisionomía o aspecto exterior constituye una de las dimensiones tangibles que Integran el objeto que son percibidos por los sentidos por lo que tienen una respuesta Estética.

Por otra parte, en relación al concepto de diseño, la función del diseñador es otorgarle Al producto su cualidad estético-artístico, por lo que la dimensión estética debe ser Considerada una parte más del proyecto.

Otra cosa es como se entienda la estética del diseño industrial, en cuanto a

decoración superpuesta o tendencia estética, etc… O las funciones que atribuyen las Cualidades estéticas del producto: valores simbólicos, connotaciones psicológicas Orientadas al consumo…

Por tanto esta dimensión estética en el producto va a ser lo que diferencie el diseño Industrial “de diseño” con respecto al diseño industrial “ordinario” Independientemente de opiniones subjetivas.

3. El diseño industrial en el marco

de las actividades artísticas

– Diseño industrial y arte (posible que caiga)

El diseño industrial se puede considerar como un hecho estético al incluir la estética o La búsqueda de la belleza en el proceso proyectual, por lo tanto, se puede incluir el Diseño industrial dentro del arte ya que esta cualidad estética es una de las Características del arte, sin embargo, el diseño industrial también tiene otras Finalidades.

Además los objetos industriales no son piezas únicas, irrepetibles ni exclusivas ni están Realizadas únicamente para ser contempladas, sin embargo, el concepto de creación Artística de carácter único y exclusivo está cambiando hoy en día (Ejemplo: arte Digital, cine, cómic…).

Otro concepto que diferencia el arte del diseño industrial es la aparición de la máquina entre el creador y el producto que es inexistente en el arte.

Siempre se ha considerado en el arte esa destreza del artista, esto no aparece en el Diseño pero sí encontramos la creatividad tanto en el diseño industrial como en la Obra de arte.

Sin embargo, esa concepción siempre se ha tenido en cuenta en la historia, a partir Del Siglo XX se plantean el arte desde otros puntos de vista en lo que ya esa cualidad Del artista no debe de ser una condición para que una obra de arte sea tal.

La repetibilidad enfrenta el diseño industrial con respecto al arte, es el hecho del Concepto de creatividad el que produce las características estéticas en el objeto y no la Obra material y no tiene sentido que haya ni muchas ni pocas copias pero que haya Muchas copias no exime las características del mismo, únicamente disminuye la Exclusividad y el valor monetario.

En la historia del arte sí ha habido obras destinadas a la producción en serie.

– Diseño industrial y artesanía

Ambas actividades, el diseño industrial y la actividad artesanal parten de la misma Premisa y es construir objetos útiles, cotidianos y funcionales, sin embargo, existen Grandes diferencias:

·∙ Proceso conceptual y de elaboración: por un lado la pieza artesana surge de Una elaboración donde no existen necesariamente un proceso previo proyectual ni Planos detallados, sin embargo, en el
Proceso industrial sí existe esta proyectualidad quedando la producción del objeto no Controlada por el diseñador.

·∙ Producción manual: los productos de artesanía se producen manualmente con Independencia de que puntualmente se utilicen maquinarias.
Sin embargo en el proceso industrial, quien fabrica el producto es la maquinaria Ayudada puntualmente por operarios.

·∙ Repetibilidad: Es cierto que en los dos campos hay repetibilidad. Una máquina Hace copias exactas del objeto y un artesano jamás hará́ dos objetos iguales. Otra Característica importante del proceso artesanal es que se pueden realizar Modificaciones y en el proceso industrial no.

La artesanía está orientada a un público minoritario porque la producción es escasa, Sin embargo, los consumidores de objetos de proceso industrial sí son en masa.
 Últimamente hay una tendencia de producir objetos híbridos (neoartesanos), mezcla De artesanos que aprovechan el proceso industrial para producir sus objetos. (Ejemplos: silla de Memphis, silla de W. Castle, S. Maloof) Muchos autores de todos Los países han realizado productos con grandes referencias a la artesanía, en el caso Del arquitecto Manuel Serrano (Silla Tomasa).

TEMA 5. EL OBJETO INDUSTRIAL

1. Conceptos: Objeto, objeto

industrial, objeto industrial de

diseño.

– Objeto: Cosa, todo lo que tiene entidad corporal o espiritual, O superficial, real o abstracto.

– Objeto industrial: Se define como una entidad físico-material Está en el mundo real y por tanto es sensible de percepción,

natural Porque

experimentación y manipulación. Ha sido producida por medios Industriales por lo que lo caracteriza por su condición artificial y Fabricada.

– Objeto industrial de diseño: Además de ser un objeto de
Es un objeto industrial concebido mediante una acción proyectual
Intención artística y buscando un determinado estímulo estético,
Objeto diseñado en función de un proceso industrial mecanizados.

2. Elementos configuradores del

objeto industrial de diseño

Es una unidad compleja, multidimensional y estructurada. Como definen los Formalistas o styling, el objeto industrial posee una parte externa y otra interna, una Estructura en su interior y una forma en su exterior. A los formalistas les interesa el Exterior. Sin embargo no se pueden separar las 2 dimensiones.
– Dimensiones constituyentes:

·∙ Dimensión funcional: es una de las funciones que constituyen el concepto de Diseño. Los objetos desde el principio están concebidos para tener una función.

·∙ Dimensión formal: forma o fisionomía exterior, es lo que se percibe sensorialmente Y, además, es manipulable.

·∙ Dimensión semántica: El objeto tiene un significado o nos quiere decir algo.

·∙ Dimensión estructural: Todo objeto tiene una estructura interna, ya tenga Mecanismo en su interior o no. Existe una relación entre la estructura interna y la Forma externa. Hay veces en las que coinciden y veces en las que no y se enmascara.
 ·∙ Dimensión estética: La esteticidad que tiene el objeto está presente de la fase del Proyecto. Esta dimensión se debe a la intención explicita del diseñador. Todo diseño Industrial la tiene.

Los factores configuradores con independencia a las dimensiones, la Configuración final de ese objeto se ve influenciada por una serie de factores externos Influyendo inevitablemente en el objeto.
– Factores que participan en la constitución del objeto

·∙ Factor técnico-mecánico: Debe ser fabricado mediante un proceso industrial Mecanizado. 2 subfactores: Materiales, las características y sus propiedades Determinan la configuración final del objeto(Ej: silla de plástico (fácilmente Moldeable), cromo (para conseguir terminaciones brillantes), vidrio (aspecto de

diseño, Con una

además es un

transparencia), acrílicos transparentes (perspex, el mecanismo interior pasa a ser un Objeto decorativo)…) y técnicas y procedimiento, en función de la técnica o el proceso De fabricación, el objeto adoptará una forma u otra (Ej: El desarrollo técnico de Encapsulación, de la microelectrónica o del laminado de madera o acero).


·∙ Factor económico-mercantil: Dos conceptos, los costes y los beneficios.

Cuando estos dos conceptos se adecuan hay rentabilidad. La inclusión de un objeto En un circuito comercial hace que se tenga que adaptar a una serie de leyes de Mercado las cuales van a configurar la forma e imagen de los productos. Aparecen Una serie de aspectos:

1. La autopublicidad. El objeto es el que se autopublicita. Es el propio objeto el que Da una imagen de confianza.

2. Campaña publicitaria. Hay veces en las que el objeto se realiza a la vez que la Campaña publicitaria. 3. Marca.

4. Firma del diseñador. Parecido a la marca.

5. Imagen corporativa.

6. Exigencias del consumidor.
7. Circunstancias económico-mercantiles

·∙ Factor diseñador: Se refiere a un diseñador individual. En la configuración final Del objeto influyen tanto el diseñador (elemento externo) como su formación. Un Mismo objeto producido o diseñado por dos diseñadores diferentes dan por resultado Dos objetos diferentes (como Javier Mariscal vs Óscar Tusquets),

·∙ Factor usuario: El factor más importante. En cualquier diseño, el autor es lo más Importante.

Hay que tener en cuenta la necesidad de facilitar el uso, las exigencias de gusto, Solicitudes psicológicas (objetos reclamo), la participación del usuario en la Concepción del objeto y el polifuncionalismo de los objetos (para economizar e Incrementar las unidades).
– Contexto

Todo se diseña en un determinado contexto, diferenciados en dos grupos: ·∙ Contexto Histórico-cultural: con gran influencia en objetos industriales.

– Político-económico: tiene gran influencia en el diseño, reflejándose con Claridad en los países con sistema capitalista. En estos países también hay una Corriente formalista para fomentar el consumo y atraer compradores.

– Técnico-industrial: El desarrollo tecnológico ha sido clave a la hora de Realizar el diseño de objetos, posibilitando así́ la fabricación de objetos que antes no se Hacían. La fabricación por ordenador ha posibilitado que se pueda realizar cualquier Diseño.

– Estético: las corrientes estéticas que se dan en la época influyen en el Diseño de ese período.

– Ideológico-cultural: la cultura influye en todos sus aspectos. La Tradición y la artesanía 


influyen en el diseño industrial de productos, aunque éstos no se produzcan con Procesos 

industriales (como en los países nórdicos en los 50’s).

– Social: todos los objetos se producen para una sociedad, para un Entorno. El diseñador 


siempre tiene que estar en contacto con la sociedad (conocer preferencias, gustos, Formas 

de hablar…), sin embargo, hay objetos que se han puesto en contra de este contexto Social. ·∙ Contexto socio-ambiental: para lo que se destina el objeto tiene que ver con El contexto que va a formar parte de él (diseño de un asiento tiene en cuenta para qué Se destina(oficina, casa…)).

– Valores

·∙ Valor de uso: vinculado a la dimensión funcional; siempre los objetos industriales Tienen un uso.

·∙ Valor de signo: vinculado a la dimensión semántica; el objeto tiene un significado.
 ·∙ Valor estético: vinculado a la dimensión estética.

·∙ Valor de cambio: vinculado a la dimensión económica-mercantil; el objeto como Bien de consumo.
– Los conceptos prototipo y serie

Se encuentra la repetibilidad y la seriabilidad, por tanto, encontramos la producción En serie y el prototipo.

La seriabilidad supone la existencia de un numero variable de objetos idénticos entre Sí que responden en su concepción forma y estructura a un modelo proyectado al Efecto.

Prototipo. El modelo original proyectado al efecto a partir del cual se fabrican los Objetos subsiguientes:
– Serie es el conjunto de objetos concretos que responden en su configuración, forma Y estructura a un mismo prototipo. Se divide en dos grupos:

·∙ Pequeña serie: está compuesta por dos tipos:

·∙ Objetos destinados a una demanda muy reducida (Ej. Aviones, Barcos). En los que la forma externa y los imperativos de la moda pasan a un segundo Plano.

·∙ Objetos de uso individual: encuadrados en ediciones limitadas Buscando el encarecimiento del producto para otorgarle un valor de prestigio o Acercarlo a la excepcionalidad de las piezas artísticas. 

·∙ Gran serie: destinada al consumo individual y masivo. Se encuentra sometido a los Imperativos del gusto y la moda y en los que la forma externa influye de manera Excesiva.

3. Metodología de análisis de los

objetos industriales de diseño como

objeto artístico-estético.

Se plantea de dos puntos de vista: las aislacionistas y el contextualismo.

En la perspectiva aislacionista se describe al objeto como una entidad autónoma y Aislada sin referencias históricas o contextuales limitándose al estudio de las Dimensiones formales (estructura y estética) y su relación entre sí obviando cualquier Referencia externa.

En la perspectiva contextualista analiza el objeto teniendo en cuenta el contexto y los Factores externo que actúan sobre él. Se estudia la dimensión y la semántica.
 Además del análisis descriptivo, forma, materiales, técnica… Interesa un análisis Cualitativo donde se interpreta los factores descriptivos conectándolos con los valores Simbólicos, ideológicos-culturales… Sumándole el valor de artisticidad de la Dimensión estética.

Mantenemos la relación de las funciones del objeto, su descripción, forma y estética.
 Pasos

1. Descripción e identificación: objeto material.

2. Enmarque contextual.

3. Análisis técnico-mecánico (materiales, procedimientos y técnicas).

4. Dimensión formal y estructural (color, textura, forma, figura y luz).

TEMA 6: LA ESTÉTICA DEL

DISEÑO FORMAL DEL

OBJETO INDUSTRIAL

INTRODUCCIÓN: LA ESTÉTICA EN EL CAMPO DEL DISEÑO INDUSTRIAL

!Para el estudio de la estética industrial, que provoca estéticas que abarcan diferentes Aspectos de ese objeto , vamos a seguir una sistematización de estos aspectos, Aludiendo al esquema que realiza E. Löbach. La estética del diseño industrial se Distribuye en las siguientes estéticas:

-Estética del objeto: se centra en las características del objeto, en el ámbito del Producto.
!
-Estética de la información o percepción estética: se centra en el proceso de Percepción de los objetos industriales. Recepción y experiencia, que influye en Respuestas afectivas e intelectivas del usuario observador.

-Estética del valor: se analiza la importancia del objeto para el usuario en relación a Sus conceptos e ideas subjetivas dentro de una sociedad y período histórico.
!
-Estética empírica: estudia los valores estéticos en grupos de personas, para Posteriormente diseñar el objeto y así́ garantizar el éxito del producto.

-Estética generativa: se emplea la teoría de la estética en el ámbito de la producción o Creación.

!LA ESTÉTICA DEL OBJETO INDUSTRIAL DE DISEÑO.

!-ESTUDIO DE LOS ELEMENTOS PLÁSTICOS: VOCABULARIO FORMAL

-ESTUDIOS ESTÉTICOS EN LA DIMENSIÓN FORMAL Y ESTRUCTURAL DEL OBJETO

!Básicamente conforman los aspectos percibidos por el usuario de dicho objeto y que, Por tanto, debe conocer el diseñador para tener una máxima efectividad en el Producto.

!ESTUDIO DE LOS ELEMENTOS PLÁSTICOS

!Aquí́ las características estéticas del aspecto de objeto están determinadas por el Elemento plástico. Son elementos con los que cuenta el diseñador para conseguir una Determinada configuración exterior. De su elección de la combinación dependerá́ la Experiencia estética del usuario, por tanto, la tarea del diseñador es investigar sus Efectos.
!
Existen tres dimensiones:
-Estética-sensorial
-Semántica significativa
-Psicológica-afectiva: reacciones que causan los objetos en los observadores.
!
1.COLOR.
Se puede insertar en el objeto con diversos criterios. El diseñador es el encargado de Seleccionar el color pudiendo tener una actitud objetiva, teniendo así́ en cuenta una Mejor adecuación a la funcionalidad , proceso mecánico, coste.
!
Si es subjetiva se tiene en cuenta la elección del color personal, libre de condicionar el Exterior, enmarcado dentro de una postura estético-artística.

Respecto al usuario puede ejercer diversas acciones que atraigan al observador Sensorialmente, suscitando experiencias o evocando recuerdos, produciendo un placer Estético-sensorial. (por ejemplo: la madera).
!

Parámetros de aplicación del color:

-Colores vivos o neutros: los vivos se emplean para provocar la adquisición del Producto (aportan un aspecto de desenfado y lúdico). Los neutros: se busca que esos Objetos pasen inadvertidos (serenidad). Los colores vivos fueron empleados con Frecuencia en los 70’s por los movimientos de vanguardia italianos Alchymia y Menphis, además de por el movimiento pop-art que buscaba romper el refinamiento Estético del diseño de esa época

!-colores fríos y cálidos determinan la sensación térmica que percibe el usuario. !

También se utilizan en función de la moda, gustos y diversificación del mercado, con Lo que la elección del color pasa de ser independiente de la funcionalidad, la utilidad O de su contenido semántico, dejando a un lado el elemento plástico, estético.
!

-Policromatismo o monocromatismo: se emplean varios o un sólo color. Si utilizamos Varios colores nos dará́ más dinamismo, o si se emplea un sólo color dará́ un objeto Más sencillo, más rígido.
!

-Contraste y analogías cromáticas: se producen empleando el policromatismo y nos Ayudará a potenciar la comunicación del objeto y creará efectos con la comparación Del color. Con la analogía se consigue la diferenciación, no un contraste tan expresivo. !

-Armonía o estridencia: la armonía se produce cuando un color que se encuentra Presente con el resto de colores del objeto consigue una determinada proporción en Cuanto a tono y matiz en su interrelación. La estridencia se produce cuando no Aparece la integración de colores y suelen ser colores muy intensos y no Interrelacionados.

-Colores diversos: permiten evitar la monotonía. !
-Color como función constructiva.
!

-Color para diferenciar productos de la misma serie. Un producto de la misma serie Tiene distintos colores para diferenciar unos de otros Ej: gel de baño. Dicha cualidad Es clave para identificar y entender el producto.

-Color como función semántica o simbólica: despierta la capacidad evocativa o Asociativa del usuario.
!
2.FORMA Y FIGURA

En este apartado vamos a definir la forma de la figura como la silueta del objeto. Existen diferentes tipos de formas y según estos vamos a hacer la siguiente Clasificación:
!

-Formas orgánicas: formas que se encuentran en la naturaleza. Suelen conferir Objetos curvos, ondulantes y redondeados.
!
-Formas geométricas: están constituidas mediante cálculos matemáticos y parten de Formas simples, círculos, cuadrados, triá́ngulos. Por un lado las formas curvilíneas Producen sensación de suavidad, ductilidad y dinamismo. Las formas rectilíneas dan Sensación de estabilidad, aunque creen cortes abruptos por sus aristas o líneas Angulares. A veces las formas llegan hasta tal depuración o refinado que llegan a la Abstracción.

-Formas topológicas : son aquellas en las que la superficie externa está ligada a la Interna formando una continuidad.
!
-Formas neumáticas: están constituidas por una masa de aire encerrada en una masa Flexible.

-Otras formas pueden ser tubulares, espirales, torbellinos. !
Combinación de formas:

podemos realizar combinaciones de diferentes formas que nos llevan a diferentes Efectos estéticos.
!
-Transformismos: la figura cambia.

-Simbiosis:síntesis en una unidad de formas distintas derivadas de distintos objetos. !
-Metamorfosis: transformación de un objeto en otro.
!

-Referencias figurativas: consiste en partir o inspirarse en formas existentes.
!
-Estilización: los objetos son sometidos a un proceso en el que se llega a la reducción De su forma a líneas esenciales (en el proceso de diseño).

!-Expresionismo: se altera la forma exagerando sus líneas y rasgos generales a fin de Exaltar sus características principales o traducir la emoción personal del autor.
!
-Abstracción: se extrae o se aísla de cada objeto una de sus características esenciales. !

-Reinterpretaciones de tipologías de: estas representaciones pueden ser de objetos Industriales o preindustriales o artesanales.
!

-Biónica: estudia formas existentes en la naturaleza para dar solución a Los problemas planteados en el diseño, ya sea funcional o estética.
!

-Antropometría: estudia como los objetos pueden estar en relación con las Dimensiones y proporciones del hombre. Esta disciplina está
Estrechamente relacionada con la ergonomía.
!

-Aerodinámica: se basa en conseguir perfiles que ofrezcan la menor
Resistencia cuando están sometidos a un fluido para así́ alcanzar la mayor
Velocidad.
!
3. TEXTURA O CALIDAD TÁCTIL
Se encuentra vinculada al material y la superficie del objeto, no solo a nivel de tacto Sino también a nivel visual. Puede crear sensaciones en el observador. En función del Material y el acabado del objeto se producirá́ una determinada sensación. (el Elemento plástico/textura dependerá́ de la textura)
Estas impresiones táctiles pueden ser de suavidad(está asociada a superficies continuas Y lisas), dureza(asociada al tipo de material, resistencia a la endidura), ductilidad y Maleabilidad (materiales flexibles) o frialdad (asociada al tipo de material, Generalmente con los metales)
Tratamientos superficiales como pulido, aristado, liso, calado (se disponen orificios en La superficie da aspecto rugoso y sensación de poco peso) rugoso (piedra o madera sin Tratar) o combinación de texturas (consiguen evitar la monotonía y motivan el aspecto Visual)
!
4. VOLUMETRÍA
!
Estructura volumétrica: puede responder entre otras configuraciones a una Yuxtaposición o superposición de volúMenes (foto: kodak carousel) frente a la Integración de volúMenes (Foto: Mac modelo clasic 1993)
Minimización o potenciación del volumen, podemos reducir el volumen (foto: Lámpara luminator de casteglioni).
Plasticidad: hace referencia al moldeado de dicho volumen, depende Fundamentalmente del tratamiento superficial presentando volúMenes cóncavos o Convexos, relieves o huecos, cambios de nivel, aristas, etc. Con este modelado y gracia

s a la incidencia de la luz contribuye a crear efectos mediante el juego de luces y Sombras potenciando esa volumetría.
Esculturalidad: en ocasiones los productos industriales gracias a su forma/ Disposición volumétrica exenta y definida posee un carácter escultórico. Luz/iluminación: juega un importante papel por la presencia o no presencia de los Reflejos, bien mediante brillos continuos o bien mediante un juego de plano que Quiebran. Estos reflejos pueden venir dados por el propio material de la pieza Ej: el Acero cromado produce este tipo de reflejos. Estos reflejos también se pueden obtener Por intervención del diseñador que potencia los brillos.

Módulo: puede ser definido como aquel elemento que se repite así́ mismo siguiendo Un orden prefijado. Desde una perspectiva estética podemos encontrar un Rellenomodular (concretamente en una superficie se emplea para obtener impresiones Visuales y táctiles, con un claro sentido decorativo, también para animar la Monotonía, crear una estructura visual y favorecer la composición rítmica, etc.) Estética modular (se produce en objetos que se configuran a base de una serie de Piezas independientesque enfunciónd e su composición responderá́n a diferentes Soluciones, es la base del moviliario de sistema y objetos componibles, moviliario de Módulo Foto: sofá́ additional living ) y una construcción modular (se construyen los Objetos a partir de volúMenes modulares de proporción regular

Cualidades expresivas de los elementos plásticos: dependen del contexto y la Percepción del observador. Pueden ser rotundidad (o contundencia está asociada a Formas simples, solidadas, precisas y netas), gracilidad o ligereza (asociado a formas Ligeras, esbeltas, y delicadas) , sensualidad (asociada a formas ondulantes, Redondeadas y sugerentes), flexibilidad (está asociada a la capacidad de moldeo de los Materiales y por tanto a la posibilidad de ondularse, doblarse, o curvarse), dinamismo (en general son formas curvas y ondulantes, o en espiral, que imprimen dinamismo al Objeto) , inestabilidad (o inconsistencia, está asociado a la impresión de falta de solidez Y estabilidad), rigidez (se asocia a formas severas, rigurosas y con falta de flexibilidad) Y ingravidez (asociada a flotabilidad o no existencia de sustenciación)

!ANÁLISIS ESTRUCTURAL DE UN OBJETO

!No sólo se tiene en cuenta el armazón, también sus elementos internos, mediante la Estructura se puede determinar la forma de un elemento en función de como se Constituya esa estructura.
!

Se puede realizar una composición estructural en la que también se pueda emplear Una combinación de varios tipos de estructura, recursos constructivos de otros Ámbitos ,como la arquitectura, y por último la relación que se establece entre la Estructura y la superficie.

Se pueden constituir básicamente cuatro formas:

-Estructura o mecanismo interno como elemento plástico-decorativo. Objetos

transparentes, como relojes u ordenadores, o vidrios.

-Enmascaramiento: automóviles, electrodomésticos donde el mecanismo interno

queda oculto. Se produce también en mobiliario.

-Armazón estructural: coincide con la forma externa.

-Alarde estructural: sin que ello suponga un aumento de la funcionalidad o mejora

constructiva del objeto.

RELACIÓN DE LOS ELEMENTOS PLÁSTICOS

!1. ANÁLISIS SINTÁCTICO Y COMPOSICIONAL
!
Vamos a ver que al igual que se produce en lingüística, consiste en la descripción y Valoración desde la manera en la que los elementos plásticos se disponen y se Relacionan entre sí.
!
-Composición / disposición: es el modo en el que se disponen los distintos elementos Plásticos o formados, así́ como las distintas partes del objeto, configurando un Conjunto visual unitario. Aquí́ vamos a considerar:

-Esquema compositivo: sirve para ordenar las formas.

-Recorrido visual: se impone o sugiere y aparece sobre todo en formas Onduladas. Describe una trayectoria al observador.
!
-Ritmo: la disposición rítmica es una manera de ordenar los elementos de un objeto Basados en la repetición, dotando así́ de un carácter estético al objeto.
!
-Proporcionalidad: corresponde a la armonía existente entre las partes y el todo. Un Ejemplo claro es la construcción modular. Se pueden considerar dos tendencias

– Tendencia a la simetría: asocia generalmente una sensación de estabilidad

– Tendencia a la asimetría: en ocasiones se asocia a la inestabilidad. Generando dinamismo y movimiento.

1 Introducción a la historia del diseño

2 El nacimiento de la revolución industrial inglesa

3 El American System of manufacture
 4 El diseño europeo

Introducción a la historia del diseño

A lo largo de toda la historia han existido diseños y se han inventado multitud de Artilugios pero es en el Siglo XVIII cuando se produce la primera revolución Industrial.
La sociedad cambia radicalmente debido a los nuevos sistemas productivos que se Desarrollarán a lo largo de este siglo y parte del XIX , se generará un nuevo Concepto del diseño. Las evoluciones sociales y económicas fueron clave en esta Época.

Hasta entonces las altas esferas de la sociedad (burguesía y aristocracia) eran Abastecidas de todo tipo de productos por los artesanos ; con la llegada de la Revolución industrial estos productos se volvieron más accesibles .
Haciendo un poco de retrospección es en el Siglo XV cuando gracias a la imprenta la artesanía comienza su proceso de industrialización y tardará hasta el Siglo XVII en Llegar el siguiente paso de la mano de las manufacturas reales (comenzando en Francia) . Estas no eran más que “empresas” financiadas por la corona que abastecí́an A esta misma de porcelana , textiles y cerámicas. Se dieron en otras zonas como los Reinos que componían Italia y en España.

Debido a la alta demanda de productos , se consigue también aumentar la oferta Gracia a la optimización del trabajo a través de la mecanización. Como

o

Tensión: aparece cuando en un objeto existen elementos antagónicos que Actúan oponiéndose entre sí. En algunos casos puede proceder de la propia Estructura del objeto en otros casos dicha tensión la produce el objeto Mediante una configuración físico formal

Tema 7 Historia del diseño Industrial

consecuencia de este aumento de oferta los productos llegan a la burguesía y Proletariado y aumenta la esperanza de vida .

El nacimiento de la revolución

industrial inglesa

En Inglaterra destacamos la figura de tres empresarios que revolucionarán el Panorama del diseño y de la producción.
Mark Baldeau : Se experimenta un periodo de transformación de las fuerzas Productivas (proceso de mecanización) y las relaciones de producción ( los operarios No tienen responsabilidad final del producto, se limitan a seguir instrucciones del Diseñador) generando un capitalismo industrial.

Destacamos las revoluciones en el sector de la minería (combas de vapor y el Ferrocarril ) y en la siderurgia .
Malthew y Watt se unieron y evolucionaron la máquina de vapor para aplicarla a Procesos industriales , lo cual cambio la vida de los trabajadores. Comenzó́ una Aplicación tecnológica que sustituí́a a la mano de obra humana , abaratando los Costos en parte también a los nuevos minerales usados en la siderurgia ( no se limita Solo a la plata).

Malthew Boulton y Josiah Wedgwood : ambos empresarios se preocuparon de la Viabilidad comercial para ello introdujeron nuevos métodos de distribución y venta, Como el catálogo .
Además se preocuparon por las infraestructuras y las comunicaciones. Su principal Meta era abaratar las piezas pero sin perjudicar la estética del producto.

Para los objetos más artesanales, Bolton compraba dibujos a los artistas de la época. Por otro lado estaba J.Wedgwood, que estaba vinculado al sector cerámico. Este También diferenciaba entre los productos de lujo para clases altas y para Clases medias. Se encargaba el diseño a grandes artistas y el acabado a grandes Artesanos.

Wedgwood introdujo numerosos avances en el acabado de la cerámica,en los tornos, En los hornos y realizó nuevos productos. Desarrolló porcelana fina denominada Black nasal y los acabados hasper weld.

Cerámica de Wedgwood Ornamentos de estilo historicista de Malthew

Por un lado Bolton solo se dedicaba a fabricar productos decorativos para un Mercado de moda donde los gustos cambiaban rápidamente. Por otro lado Wedgwood fabrica objetos en los que se tenia en cuenta la estética junto con la utilidad y la durabilidad.

A medida que avanzaba la segunda mitad del soplo XVIII hasta el periodo victoriano (1837- 1900) el estilo que dominaba el diseño del producto era como hemos indicado El ecléctico. (eclécticismo:mezcla de diferentes estilos). Como por el ejemplo el Mobiliario de T.Chippendalej, Gothics Chars, R. Adam o Thomas Sheraton. (esto Ocurre en Inglaterra)

El “american system of manufacture”
En cuando a Estados Unidos la Revolución industrial fue diferente a la de GB, el tipo

de producto demandado era distinto, eran productos de tipo funcional ya que Prácticamente no existí́a una clase social alta que pudiera adquirir productos de lujo. Por otro lado había escasez de mano de obra cualificada, lo que originó un aumento En el desarrollo tecnológico. Además esta tecnología surgió́ de los propios problemas Que causaba el sistema de producción y necesitaban ser resueltos.

Pero, en realidad lo que diferenció al sistema de producción americano del inglés fue El llamado Americam System Manufacture. El cual seguí́a el sistema de fabricación Inglés pero a mayor escala y cuyo producto se hallaba estandarizado , de esa forma las Partes podían ser intercambiables .Esto produjo una gran revolución en la fabricación Ya que aumentaba la eficiencia del producto abaratando todo.Este sector se basaba También en los sistemas de producción europeo pero adaptándose a este sistema

americano. Este sistema también buscaba la funcionalidad dejando de lado la Ornamentación (fabricaba objetos útiles). En el sector del mueble destacar el Mobiliario de tipo Shaker (comunidad religiosa) producí́an productos de uso común y Huían de todo tipo de ornamentación, abogando por la sencillez y se basaban en la Tradición artesanal británica. Destacó Samuel Cragg que experimentó con el Curvado de la madera en la primera mitad del Siglo XIX.

Pregunta de examen: diferencias entre los productos ingleses y americanos

!El diseño europeo
Entrados ya en el SG XIX evoluciona una nueva forma de producción más mecánica

pero que se basaba en los diseños artesanales de tipo historicista (el cual es un estilo Que imita las características de los productos de otras épocas , tales como el Neomudejar en España dicho estilo imitaba el arte musulmán de la península , Destacando en el resto de Europa el neochinesco , neohindú , neorrococó etc) o Ecléctico(mezcla de diferentes estilos) . No hubo ninguna innovación ni adelanto en el Diseño , tratando de mantener la estética artesanal , siguiendo la tendencia de Comienzos de la revolución industrial .Produciendo objetos de mejor calidad para la Clase alta y con características mas modestas para la clase media ; En respuesta a estos Estilos aparecieron nuevas técnicas decorativas tales como la producción de masilla Para sustituir la madera o la glutapercha (similar al caucho traslúcido) .

Parque de María Luisa , Sevilla , neomudejar

Destacamos los modelos de madera curvada de Michael Thonet. Este estilo Inspiró posteriormente varios movimientos artísticos como el Modernismo. Gracias A Thonet los métodos industriales pudieron desarrollar formas autónomas respecto a Los artistas sin perder por ello su carácter de nobleza, belleza .No necesitaban de Elementos decorativos ya que se bastaba con la forma.

Críticas.

Debido a estas circunstancias aparecen las primeras críticas estilísticas sobre la Decoración y el diseño de los nuevos objetos de la mano de August WN Pugin . Este Crítico promueve un estilo neogótico a partir de 1835 . August fue precursor del Parlamento británico de estilo neogótico , defendiendo a este estilo como el único Capaz de recuperar los valores estéticos. Este estilo perteneciente a la época medieval Promueve la convivencia y la armonía , con un trabajo gremial basado en la
Unidad ,valores típicos de la sociedad de aquel entonces . Convirtiéndose en uno de Los críticos más influyentes de su entorno abogando por una arquitectura sin adornos Exceptuando aquellos que constituyeran el enriquecimiento esencial del edificio .

$
Parlamento británicoJ . Ruskin que continúa con esta reforma social basada en La importancia de los gremios , sitúándose en contra de las nuevas formas de vida Introducidas en por reforma industrial .Se sitúa contra de esos ornamentos Producidos por las maquinas y de las imitaciones de los materiales . Todo esto se Solucionada con la vuelta al neogótico.
También cabe destacar la aportación al neogótico de H . Cole , quién también criticó Estos estilos historicistas y su estética promulgando que los productos atendieran mas A la práctica que a la ornamentación

Fue admirador de los diseños de J. Wedgwood y junto con Pugin abogaba por el Carácter secundario del adorno y la crítica del diseño imperante.


Vamos a destacar un acontecimiento importante a nivel industrial , La gran Exposición universal de Londres de 1851. Fue un acontecimiento clave donde Los diseñadores industriales mostraban sus productos para potenciar el comercio y Donde se mostraban los últimos avances de la técnica. Esta exposición fue promovida Por Henry Cole y se ubicó en Cristal Palace.

Se utilizaron materiales prefabricados utilizando un nuevo método.

Fue todo un éxito. Tuvo 14.000 expositores (la mitad ingleses) tuvieron mucho éxito Los productos americanos (segadora McCormick, el caucho de Goodyear, los sistemas De cerraduras de Hobbs).

Junto a Cole, otra figura importante fue O. Jones, que realizó una serie de Decoraciones con colores primarios en algunas partes de la estructura del edificio de Esta exposición. Fue autor de la decisiva obra “Grammar of Ornaments” de 1956, donde se recogí́an patrones de diseño de diversa inspiración y culturas e incluso Algunos de diseños propios. Basados en formas geométricas y en la naturaleza.

Uno de los diseñadores más destacados de la época fue C. Dresser influenciado por Las ideas de John se convirtió́ uno de los mejores diseñadores de la época. Tuvo Influencia del arte japonés, de culturas orientales y precolombinas.

Aunque posteriormente sí tuvo influencias en el caso de Bauhaus, no tuvo Prácticamente repercusión en su época.

Siguiendo a Dresser, encontramos varios diseñadores como Eduard W. Godwin y a James McNeil Whistler.

ART & CRAFT

W.Morris P.Webb A.H.Macmurdo W.Lethavy

W.Crane C.F.A Voysey W.Belson C.R.Ashbee G.Stickley C.S.Greene H.M.Greene !

Los inicios de artes y oficios

!Este movimiento nace en Inglaterra en contraposición a la revolución
Industrial .Tiene la intención de recuperar la relación del objeto con el usuario y con El operario que lo realiza.. Esta relación fue rota en el objeto industrial , desposeyendo La personalidad del objeto y limitándose a copias de objetos antiguos.
!
Este movimiento no se deja llegar por el afán industrial de la revolución , por lo que Tiene una producción muy baja siendo sus objetos caros y destinados a las clases altas. La principal figura de este movimiento fue William Morris.
!
Morris seguí́a los planteamientos de Pugin y Ruskin, abogando por la vuelta al Neogótico y la artesanía junto al uso de la ornamentación de manera escueta.
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Morris también aboga por la funcionalidad de los objetos , la forma de estos se Amoldará a la función de manera sencilla y adecuada siendo el adorno sustancial a la Belleza.
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Una máquina no puede fabricar objetos auténticos ni aproximarse al arte .Para unir Armónicamente forma , función y decoración . Morris elige el estilo gótico , donde Se sintetizaban estos principios de decoración.
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Otro diseñador y arquitecto destacado fue Philip . Webb (junto a Morris construyó la Red house). Teñí́an preferencia por los elementos vernáculos (elemento propio de un Sitio o integrado con la identidad local , en el caso de Cádiz la piedra ostionera es un Elemento vernáculo) .En la Red House se encargaron del mobiliario y los ajuares , Diseñando en su totalidad el hogar.

!En 1862 Morris funda la empresa Marshall & Faulkner cuyos productos son muebles , Vidrios de colores , tapices , alfombras , trabajos en el metal , decoraciones murales Etc.
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En EEUU este movimiento tuvo una gran repercusión y diseñadores como G.Stickley Siguieron una línea de sobriedad , muy relacionado con los shakers (comunidad Religiosa) los cuales seguí́an la tradición inglesa de producción a la que recurre Pugin. !

Los hermanos arquitectos , G.S y H.M Greenhe son otro claro ejemplo ya que Guiados por la influencia japonesa buscan un aspecto simple y tradicional . A finales Del sg XIX aparecen numerosos inventos que se desarrollarán mas adelante como son El caso del automóvil , el tren , la bicicleta , la cámara , el gramófono el teléfono etc. !
Algunos inventos que revolucionaron el panorama fueron :
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El ferrocarril evolucionó gracias a la maquina de vapor , en primer lugar su uso era Limitado a la metalurgia evolucionando después al transporte de personas.
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Desarrollo del zepelín y el aeroplano
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En cuanto a los productos domésticos y de oficina aparecen la maquina de coser y de Escribir.

Tema 8 Art Nouveau

Introducción

Conocido como Modernismo en España , este movimiento ocupa un lugar muy Importante en la historia del diseño , debido a que se comienza por el uso de los Objetos y a través de ellos alcanza su máxima expresión.
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Las características básicas de este estilo son el énfasis por la línea y la tendencia por el Espectáculo y el movimiento . Predominando las formas vegetales , los insectos etc.
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Gracias a las posibilidades de curvatura de los nuevos materiales el ornamento esta Integrado , perdiendo el sentido del objeto si prescindimos de esta.Aunque tenia Mucha producción artesanal no se oponía a la industria .
Ocupa el ultimo periodo de finales del Siglo XIX y principios del XX , se extiende Por numerosos países obteniendo en cada uno de ellos su propia personalidad .La Denominación de Art Nouveau surge en Francia a partir de una tienda que se Especializaba en arte , llamada “Maison de l ́ art Nouveau” la cual comercializaba Con el arte japonés , que influenció mucho al arte modernista. En función del país Tiene diferentes denominaciones ( Art Nouveau Francia y Bélgica) en Austria sezession En Alemania Jungendsti y en Italia Stile liberty , era un estilo totalmente nuevo que No mantenía ningún tipo de retrospección con estilos anteriores .

Influencias y características

Este estilo se plasma de diferente manera en cada país y tiene influencias en la pintura La escultura el diseño…
Una de sus principales influencias es el arte japonés como la pintura del español Mariano Fortuny (los hijos del pintor en su estudio). Se utilizaban superficies lacadas, Colores sobrios, marquetería e incluso se decoraban con motivos japoneses. Además De esta influencia también influye el neogótico, donde tomaron ese concepto de Integridad en el proceso creativo de los objetos donde el artesano era el artista ademas De ser el escultor pintor, etc, de la que se obtiene esos motivos de formas de llamas de Fuego.

También en función del país teñí́an una personalidad propia, en el caso de Francia influye el rococó́ francés, el ultimo antes del estilo neoclásico o historicista, un Estilo recargado. En Escocia la influencia celta, en el caso de España la influencia Árabe, del neomudejar sobre todo de Gaudí. Otra influencia que se desarrollo en Todos los sentidos fue el cuadro del beso del autor Gustav Klimt del arte bizantino, Donde se representaba un arte antiguo después de la aparición de los primeros Cristianos y sobre todo con motivos cristianos con elementos dorados y llamando la Atención de los fieles. Los elementos comunes o principales de todos los países es la Línea, ondulada, sinuosa e incluso en algunos países desmesurado, excesivo. Y es Común el uso del color el mismo tipo de colores de materiales, y buscando siempre Atraer al espectador con algo nuevo. También se extraen elementos de la obra de Mackmurdo de animales, la figura femenina de cabellos ondulados y todos los Elementos que favorezcan la elongación de la línea, el curvado, etc.

Tiene un lugar predominante el cuerpo femenino sobre todo en el diseño gráfico Aunque también en el mobiliario y joyería. E. Vallin utiliza el cuerpo femenino en el Mobiliario y Rupert Carabin.
Pregunta de examen:¿qué influencias y características tiene el Art noveau?

Materiales y Técnicas

Se buscaba la espectacularidad, llamar la atención para ello se utilizaban los Materiales nobles: madera, vidrio y hierro.
El vidrio se utiliza bastante tomando forma y coloraciones insólitas, cuyas técnicas Avanzan y permiten esas formas y coloraciones. El gran pionero del vidrio fue E.Gallé quién tiene influencia de la naturaleza sobre todo formas vegetales y También oriental. Continúa una experimentación de la técnica del vidrio constante y Eso le permite conseguir productos de muy diferente textura y matices. En el caso de La cerámica controla al máximo las posibilidades de opacidad y transparencia. También añadíó efectos de relieve superponiendo capas de cristal, decapando con Ácido e incluso añadía metales y esmaltes dotando a sus piezas de gran originalidad. No solo realizo obras en cerámica y vidrio si no también decoraciones de interiores Llegando en el diseño hasta el ultimo detalle. Su exquisitez aparece desde el comienzo De sus obras que era de estilo rococó́ hasta sus obras posteriores que eran de estilo Art Noveau. Trabajó en la ciudad de Nancy donde también trabajaron los hermanos Daum.
En el sector del vidrio también destaca la figura de L.C.Tiffany en EEUU, sobre Todo en el sector de la iluminación. También realiza copas y jarrones de vidrio con Formas florales pero mas abstractas que las de Gallé y algunas piezas de joyería. Experimentó nuevos métodos en el caso del Favrile glass (procedimiento que Consiste en añadir capas de vidrio con lo que conseguí́a esos juegos abstractos).
El hierro es otro material que gracias a su ductilidad es masivamente empleado por Arquitectos de Art Noveau, ya que permití́a formas sinuosas utilizadas en este Movimiento (Casa Tassel- V.Horta).Tuvo bastante influencia en numerosas viviendas De la época sobre todo en el rejería y solería.
En la madera gracias a la técnica y a la imaginación se hizo posible la incorporación De esa línea curva en el mobiliario consiguiendo nuevas formas, utilizando elementos Superpuestos, tallando elementos florales y uso de la marquetería, sin olvidar las Formas femeninas y los insectos. Francia fue donde más se produjeron muebles de Estas características, sobre todo en la escuela de Nancy. (Ej: espejo de L.Majorelle, Comedor de E.Vallin).
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En joyería no había una uniformidad respecto a la realización de temáticas, había Obras donde se empleaba el Naturalismo decorativo y otra en las que había una Abstracción orgánica, es decir; seguir el esquema curvo, vegetal pero llegando a un Elemento de abstracción. Algunos artistas se ajustaban sobre todo a la producción Publicitaria pero en general siempre dominaba la línea y el plano (dos dimensiones). Alphonse Mucha fue un artista checo importante, el más relevante; partí́a de figuras Femeninas con aires sinuosos. ()()()

Hubo otros artistas como A.Beardsley, H.Van de Velde
En EEUU aparece una versión particular de este diseño gráfico de la mano W.H.Bradley que utiliza la figura femenina para componer esa cartelería creando Una dinámica

Tendencias

El art Nouveau tiene dos tendencias una floral y otra que tiende a la simplificación.

-Tendencia simplificada

La primera tendencia que vamos a comentar es aquella cuyo foco lo pone en la Simplificación y nace en Escocia , es la vertiente que surge con mayor fuerza . En Glasgow nace Mackintosh figura principal de los cuatro de Glasgow.
Sus trabajos mas populares fueron varios salones de té , con influencia japonesa . Las flores sencillas japonesas son un elemento clave. Mackintosh también diseña el Mobiliario de estos salones de té , como ejemplo vemos la Agrey chair , que destaca Por su desproporción entre el asiento y el respaldo de la silla.

En el Art Nouveau los proyectos tienen un carácter global no solo se diseña el edificio Sino también el mobiliario y la decoración creando armonía entre todos los Alimentos .
Como ejemplo tenemos la Hill House , en la que diseño el edificio ( de carácter más Sobrio) y el interior era mas cálido y cuidado . Vemos el dormitorio de armarios Blanco , con cruces ortogonales como principal sistema decorativo . El arte celta También influyó en Mackintosh. Sus muebles tienen un contraste al tener tonos Blancos o marfiles.

También destacan en este grupo los arquitectos J.Hofman junto con J.M.Oldbrich y K.Moser. Las propuestas de este grupo se oponían a la exuberancia del Art Nouveau francés. Se empleaban perfiles simplificados, decoraciones abreviadas, Mayor apuesta por la geometría y por la abstracción. Seguí́a un poco la línea de artes Y oficios pero mas evolucionada. De esta forma se alejaba también de la industria.

En Viena con el diseñador Otto Wagner , (estación KarlPlanz introduce en sus Muros ornamentos planos ) vemos en los edificios como aparece la línea recta. También aparece otra figura relevante: A.Loos era arquitecto y diseñador que se Sitúó en contra del Art Nouveau. Realizó una conferencia titulada “ornamento y Delito” en la que relaciona la decoración con la cultura decadente. El diseño se debí́a Ajustar mas a la función y de esa forma perduraría siempre en el tiempo. Nombraba La silla de Thonet de madera curvada.

-Tendencia Floral:

Surge en Francia. Por un lado encontramos la escuela de Nancy donde salieron Numerosos diseños de elementos de vidrio, muebles, joyas, etc que estaban Influenciadas mas por el estilo histórico rococó́, un estilo recargado y su figura mas Destaca era E.Galle. Otra rama francesa era la de los artistas de Parí́s cuyo modelo Representante fue H.Guimard que diseñó algunos accesos al metro, trabajó con esos Nuevos materiales (hierro y vidrio) . Otra de las figuras fue E.Gaillard de líneas mas Fluidas y dinámicas, era una decoración mas abstracta que la de la escuela de Nancy. Otro país en el que se desarrolló esta tendencia fue Bruselas en la que destaca V.Hortas con un estilo más abstracto y curvilíneo. Frente a él encontramos a H.Van De Velde que seguí́a la línea de la cesación de artes y oficios y defendí́a la Funcionalidad del objeto A partir de 1897 Van de Velde expuso en Dresde unos Modelos de interiores que tuvieron mucho éxito, a partir de entonces empieza a Trabajar en Alemania, colaboró con aguas revistas de Art Nouveau. El Art Nouveau Alemán siempre había sido floral pero a partir de Van de Velde sigue esta corriente de Simplificación

En España el Art Nouveau se denominó Modernismo y la figura más representativa Es Antonio Gaudí donde propone al estilo fórmulas asombrosamente imaginativas e Inéditas. Lo podemos clasificar en la tendencia floral pero aporta numerosas Novedades. En este país se emplea el ladrillo y la cerámica como elementos Autóctonos, influencias neomudejar y neogótico e incluso norte- africana con esa Arquitectura popular arenosa del uso del barro. También tuvo influencias Expresionistas donde se buscaban juegos de luces y sombras y estructuras Zigzagueantes e inestables.

Para destacar la influencia de este estilo en EEUU en la figura del arquitecto L.Sullivan que no llegó al nivel de Europa pero si empleó elementos decorativos en Sus edificios.
Preguntas de examen:
Tendencia simplificada del Art Nouveau
Tendencia floral

TEMA 9: LOS INICIOS DEL Modernismo, INICIOS DE ARQUITECTURA Y DISEÑO INDUSTRIAL. MODERNIDAD Arquitectónica (1900)

Los primeros pasos del diseño

industrial

Principios del s.XX. A partir de que algunos de los artistas del art nouveau, sobretodo El estilo vienés, habían optado por la simplicidad y economía de formas, todavía en el S.XX el peso del artesano seguí́a siendo potente en el diseño. Desde el movimiento Artes y oficios y pasando al art nouveau se seguí́a recurriendo a los artistas para Realizar los diseños, mantiene la estructura del taller artesanal. Sin embargo, el Desarrollo industrial va a posibilitar de mecanización de la producción fabricando objetos de corte simplificado, ya que estos se adaptaban mejor al sistema De producción. (por un lado la industria había evolucionado bastante, el aumento de La clase burguesa había aumentado la demanda y por tanto la producción de objetos Es mas simplificada de mas fácil fabricación) Ya a principios del s.XX el diseño que se Desarrollaba en Gran Bretaña (donde surge la mayoría de los productos) se traslada a Alemania, donde surge la Deutscher Werkbund, una asociación de empresarios, Diseñadores, arquitectos, fabricantes e industriales, que buscaban e igual que William Morris con su movimiento artes y oficios, buscaba objetos de calidad pero No con formas artesanas, sino que fueron producto industriales de esa manera el Ciudadano medio podía adquirirlo. El problema radicaba en si la industria podía Producir un objeto de nivel estético satisfactorio( en Inglaterra no habían sido

capaces, el nivel estético dejaba que desear y pasaban rápidamente de moda) (en EEUU eran elementos excesivamente útiles en los que no importaba el diseño).
El proceso industrial alemán fue similar al inglés hasta el Jugendstil . A partir de la Deutscher Wertbuned aparecen otros elementos diferentes y autónomos. En esta Asociación tuvo un papel muy importante H.Muthesius, que pasó años investigando La revolución industrial inglesa y a su vuelta tenia el encargo de trasladar esos avances Tecnológicos a los datos recogidos en el diseño, arquitectura… Muthesius se dio Cuenta de la necesaria introducción de elementos funcionales en los objetos Cotidianos, el sistema artesanal estaba caduco y era necesaria una racionalización del Diseño. Ej: Libro “the english house”. En la Deutscher Wertbund empieza a haber un debate acerca de cual debe ser ese diseño. También tiene influencia al estilo severo- Art nouveau vienés y Mackintosh- sobretodo a partir de la exposición que hubo en Dresde. Estos conceptos no fueron compartidos por todos los miembros de la D.W. Entre los que se encontraba Van de Velde, el cual abogaba por la figura del artista En e diseño. Aunque hubo un gran debate, al final las ideas de Muhesius fueron las Que se impusieron. Aunque esta asociación tuvo cierto éxito no consiguió́ atraer a Muchas empresas, pero si realizó el diseño y produjo numerosos objetos.

A partir de la exposición de Colonia en 1814 se produce el gran debate entre Muthesius y Van de Velde. Finalmente son los seguidores de Van de Velde los que Toman el protagonismo en la dirección de la asociación, debido a sus pensamientos Más artísticos y de siego.

P.Behrens formuló los postulados de la E.W. Que trabajó para la empresa alemana AEG a partir de 1908, trasladando los planteamientos de Muthesius a la realización De todos los productos (produjo la bombilla de Edison). La AEG quiso crear en todos Sus productos una estética común para lo cuál encargó el diseño a Peter Behrens, de Tal manera que viendo cualquier producto de la empresa se identificara con la imagen De la misma. Esta empresa producí́a productos de tipo eléctrico inexistentes hasta el Momento como planchas eléctricas o ventiladores, lo que permití́a un diseño mas Libre que otros productos como el mobiliario. Con lo cuál no teñí́an ningún tipo de Restricción, por lo que podían utilizar unas características de la producción mecánica. Los primeros trabajos de Behrens fueron muy abstractos y prácticamente Geométricos, donde la presencia a la imagen o logo de la compañía. : muchos de sus Diseños se siguen utilizando ya que conjugan la forma con la función. Eran formas Totalmente alejadas de la naturaleza e introdujo la diversificación de lo productos de La serie, es decir un mismo producto manteniendo mas o menos las mismas imagen y Materiales, cambiando las piezas variaba la apariencia, consiguiendo así́ mas Productos y ampliando el catalogo. El artista para conseguir muchos tipos de un Mismo producto no teñí́a que recurrir a muchos estilos, sino que cambiaba los

materiales. Behrens también realizó el diseño de varias tiendas de la compañía, Pabellones de exposición, stands… Su obra mas señalada es la fábrica de turbinas Para AEG.
Pregunta de examen: (vida, obra relacionó con la AEG y EW)

Inicios del Modernismo en EEUU

En EEUU no hay un debate sobre el diseño como en Europa, no se cuestiona El sistema de producción ya que al contrario de Europa la artesanía no estaba Arraigada . La escasa artesanía existente en el continente era la importada de Europa , el principal motivo era la poca mano de obra cualificada.Además la sociedad Americana necesitaba de un gran rendimiento en los procesos productivos para Satisfacer la gran demanda que existí́a a lo largo del país.

Uno de las figuras más características es F.W Taylor el cual desarrollo un método de Organización científica del trabajo donde se resolví́a la pérdida de tiempo , Optimizando así́ la productividad y las ganancias. En EEUU la maquinaria industrial Se convirtió́ en una fuente de riqueza y con ellas se modificó el diseño(aunque no de Forma inmediata en algunos sectores).

Concretamente en el sector del mueble y el sector del hogar , el mobiliario seguí́a un Estilo mas europeo e historicista (solo las clases altas podían consumir este tipo de Productos). Con la aparición de los arquitectos L.Sullivan y F.L Wright comienza Una nueva generación de diseñadores y arquitectos empeñados en una innovación Estética y estructural que anteponía a los estilos europeos importados una forma Basada en la tecnología , la funcionalidad y la expresión personal .

“Casa de la pradera de Wright”

Tras el incendio de la ciudad de Chicago se le encargó a L.Sullivan la reconstrucción Y reestructuración del suelo.
Con la casa de la pradera revolucionó el concepto de la vivienda residencial y en Cuanto a sus diseños destaca su escritorio con asiento incorporado creado para un Edificio que construyó en Búfalo en 1904 o la silla para la casa Darny en 1905 Recordando un poco a la silla de Mackintosh. Por último comentar un caso singular De la industria y el sistema americano y fue la figura de Henry Ford creador de la Marca Ford. A principios del Siglo XX los coches eran artesanos y eran productos de Lujo sin embargo , Ford introdujo la línea de montaje en la producción de Automóviles y así́ conseguí́a producir los automóviles en serie y por tanto ausentar la Productividad lo cual conllevaba a un menor precio . Con esto comenzó́ la Democratización del producto , convirtiendo un producto de lujo como el coche en Uno de usos común al alcance de cualquier persona de clase media .Empezaron a Proliferar otras marcas y ya no solo se buscaba que fuera duradero y eficaz

TEMA 10:

NEOPLASTICISMO Y

CONSTRUCTIVISMO.

Fueron movimientos artísticos que se desarrollaron junto con otros Como por ejemplo el Cubismo, en la primera parte del Siglo XX y se Denominó “vanguardias”.

La idea de vanguardias se fue construyendo paralelamente a la de Modernidad que engloba todo en el sistema de fabricación.

La novedad en el Siglo XX, característica estética, adquiere un Significado diferente al de otras épocas (se estructura en una drástica Ruptura con todo lo anterior).

NEOPLASTICISMO

Este movimiento se asocia al movimiento de De Stijl que influyó de

forma

coherente en la arquitectura, en la pintura y en el diseño.

Se funda en Holanda y reivindicaban formas diferentes a las formas Irregulares basados en la naturaleza. Se oponían a las formas Caprichosas y temperamentales de los artistas y solo se basaban en lo Que se podía medir y prever de modo objetivo, es decir, descartaba Todo lo subjetivo.

Solo quiere realizar todo lo que se pueda medir de forma objetiva, por Tanto, la historia y el individuo dejan de contar en las obras, no hay Subjetividad en la elaboración, además, las obras pueden ser Preformadas antes de su ejecución y no hay nada de naturaleza ni Sensualidad en ella.

· Obra de P. Mondrian (1921), serie de tableados donde no hay Formas curvas, los colores son primarios, valores metafísicos para Realizar sus obras.


Esta organización debí́a seguir principios racionales y no operar Impulsivamente (filosofía cartesiana).

· Teo Van Doesburg que llevó estas teorías a la dimensión Tridimensional, introdujo también la diagonal en la pintura. Aparece También la figura del arquitecto Rietveld que se incorporó al Movimiento de De Stijl utilizando esta concepción de ortogonalidad, Literalidad de movimiento con una silla infantil, más tarde realizó otra Silla en la que consiguió́ el paso de la teoría de la bidimiensionalidad a Un objeto tridimensional,


La obra más significativa a nivel arquitectónico (1924) fue la casa de Schröder, la realizó junto con su promotora la Sra. Schröder.

TEMA 10 !1

Introdujo mobiliario y creó un nuevo sistema decorativo interior (siguiendo la teoría neoplasticista).

Fue en el campo pictórico donde más se desarrolló el neoplasticismo.

CONSTRUCTIVISMO

Otra vanguardia desarrollada en el Siglo XX en la Unió́n Soviética a

partir de la

Revolución.

En esta Revolución, los artistas rompen con todo lo occidental y Empiezan a crear nuevas formas de manera autónoma, se aíslan de Europa y EEUU y empiezan a crear sus nuevas ideas.

La arquitectura y el diseño son los más relevantes, ya que teñí́an Mayor carácter social y se podía desarrollar mejor estas nuevas Dimensiones funcionales y estéticas.

Este tipo de arte consideraban los constructivistas el arte que mejor Entendí́a el pueblo porque eran figuras simples, geométricas y se podía Trasladar mejor a la arquitectura y el diseño.

(Más simples – No necesitaban tener una formación artística)

Se basa en otro movimiento de vanguardia, “el suprematismo” por K. Malevich (antes de la revolución rusa) y defendí́a que la Abstracción desmontaba la falacia del arte figurativo que había estado Al servicio del estado, la religión o la historia.

No representaba los intereses del poder.


Mediante paralelepípedos realizaba sus obras escultóricas.

En el suprematismo se diferencia entre el fondo y el resto de Elementos, sin embargo, en el constructivismo los elementos son los Que construyen la obra.

En este movimiento se producen dos tendencias:

– Productivistas: dedicados al diseño y arquitectura (buscan la Funcionalidad) como V. Tatlin y A. Rodchesko.

– Idealistas: dedicados al arte como A. Pevsner y N. Gabo.
 A principios del siglo en Rusia, había un debate entre arte y Diseño donde surgen movimientos como el Proletkurt e Inkuhuk (participó Kandinsky- pintor abstracto), aquí́ se realizaban Debates acerca del arte y el diseño y si se podía realizar este Constructivismo en un medio bidimensional (pintura).
 Finalmente, se decantó el constructivismo por el diseño Industrial.


Destaca este diseño (club de obreros) de Rodchenko que es Presentado en Parí́s, en la que se encargó del diseño y el Mobiliario.

TEMA 10 !2

Se organiza en función de los principios constructivistas con economía De espacio, piezas plegables y reconvertibles, fácilmente almacenables, En definitiva los muebles son de madera, de fabricación seriada y se Puede reducir sus partes y se empleó las formas geométricas propias Del constructivismo y los colores (blanco, negro, rojo y gris).
 Rodchenko también realizó experimentos formales y espaciales.


Otra obra importante del constructivismo fue el monumento de la 3oInternacional de Tatlin y aunque Tatlin compartí́a las ideas Constructivistas, a veces no seguí́a esta tendencia. También realizó Diseños que tendí́an más a vías orgánicas (“silla volada” en 1927). Destacar de Tatlin diseños de ropa para las clases populares.

Tanto Rodchenko como Tatlin y El Lissitzky fueron profesores de unos Talleres artísticos estatales denominados Vjutemas o Vkhutemas donde Tuvieron protagonismo el diseño y la escultura. Aunque estos talleres Teñí́an un carácter artesanal, todos los productos estaban pensados Para la producción mecánica, sin embargo, el desarrollo de la Industria en Rusia era escaso.


Otra de las obras constructivista más significativas fue la tribuna de Lenin, esta tribuna fue liderada por El Lissitzky en 1920. Basada en un Diseño previo con elementos geométricos.

El Lissitzky realizo también otros proyectos arquitectónicos como los Apoyanubes en 1925.

También diseño espacios Proum donde realizaban decoraciones Suprematistas, que vení́an a cubrir los lugares donde se colgaban las Obras pictóricas.

Por último, el diseño grafico tuvo un papel constructivista, sobretodo En la difusión formal de este estilo utilizando la fuerza de la palabra Realizadas de forma simplificadas y sobrio y perfectamente Organizadas, obras cercanas al fotomontaje. Destaca también Decoraciones y vestuarios constructivistas para el teatro revolucionario.
 Este movimiento fue perdiendo fuerza debido a imposiciones del Estado hasta que en 1932 por un decreto, Stalin impuso el arte del Realismo socialista como única vía posible de manifestación artística Provocando que algunos artistas se exiliaran a Alemania u otros países.

TEMA 11:BAUHAUS.

Introducción

!En 1919 W.Gropius funda en Alemania la Das Srantliche Bauhaus una escuela De arquitectura y diseño. La Bauhaus contribuyó a crear normas de diseño Atemporales influyendo sus productos en el resto de países y posteriormente épocas. Se pretendí́a reanudar la relación entre arte e industria. Se promueve que los objetos Dejen de ser impersonales y no aumenten su coste de adquisición, para ello la Industria realizaría productos seriados que fueran bellos, útiles y accesibles. La idea de Funcionalidad tendría que guiar el producto sin perder por ello la belleza. Se apuesta Por las novedades formales y la experimentación así́ como la indagación individual y Cooperativa en la educación. Se realizan nuevos sistemas de educación. Estas posturas Chocaban con el régimen político nazi que había en aquel momento, lo que le Provocó bastantes problemas a la escuela teniendo que trasladarse. Su ámbito de Actuación iba desde el urbanismo hasta la arquitectura y el diseño de objetos. Todo Esto debí́a realizarse racionalmente y teniendo en cuenta la industria por tanto el Objeto tenia un carácter totalmente diferente al que había tenido.

Etapas

En la Bauhaus podemos distinguir tres etapas:

Primera etapa:

La primera etapa (1919-1923) empieza en Weimar y cuyo director era W.Gropius; es Cuando se observa un idealismo Romántico, una vertiente mística y expresionista mas Artística y la vía autoexpresiva aparecen como referentes principales. En esta etapa no Se prestaba atención al diseño industrial como elaborador de objetos de consumo Masivo si no que se procuraban más de liberar a los alumnos de las herencias Pasadas para que pudiesen diseñar productos por sí mismos.Esta etapa teñí́a un Carácter artesanal en un principio para pasar posteriormente al Racionalismo. La Escuela estaba compuesta por talleres como los de tejidos, cerámica, metal, Carpintearía, pintura mural y sobre vidrio, impresión, teatro y más tarde arquitectura. Se contaba con un maestro de taller y un maestro de forma. El de taller educaba en la Parte práctica y el de forma en la parte teórica en la que el alumnado experimentaba Sobre colores, formas y otros aspectos de composición. Se iniciaba el sistema Educativo con un curso preliminar donde se estimulaba al estudiante a que adquiriera Sus propias capacidades creativas a través de su experiencia personal. En este curso (impartido por J.Itten) Itten pretendí́a mediante el estudio de la naturaleza, los Materiales y las obras de artes antiguas, los alumnos alcanzasen la capacidad subjetiva De precesión y la comprensión objetiva. Se trabajaban con formas simples como Círculos, cuadrados, triá́ngulos… A los que se les asociaban un color azul, negro y Amarillo respectivamente. También fueron profesores de este curso preliminar en las Posteriores etapas M.Nagy y J.Albers. Posteriormente, después de este curso Preliminar los alumnos asistí́an a otros cursos donde había maestros de forma (el Pintor P.Klee y el maestro de forma W.Kandinsky), eran profesores que procedí́an Del mundo del arte y dominaban perfectamente las bases de composición, ritmo y Color. Este curso preliminar se desarrolló en las tres etapas y estos artistas también Impartieron clases en varias etapas.

Segunda etapa:

Segunda Etapa (Weimar-Dessau; 1923-1925): Se sigue manteniendo el director y se Traslada a Dessau.El curso preliminar no lo imparte Itten si no M.Nagy y J.Albers y Se contempla el auge de las ideas racionalistas que reemplazan a las de autoexpresión Artística. En esta etapa ya la escuela empieza a recibir sus primeros encargos por parte De la industria.

TEMA 12: Consolidación del Movimiento moderno.Le Corbusie, Mies Van de Rohe y A.Aalto.

!En el periodo de entre guerras (1920-1939) es donde se desarrolla lo que se entiende Como arquitectura moderna. A principios de los años 20, los experimentos de las Vanguardias pictóricas se empiezan a aplicar a los edificios. Ya en los años 30 el estilo Internacional con el que se denominó a este movimiento arquitectónico se difundió́ Por todo el mundo al tiempo que los regí́Menes nazis y estalinistas lo condenaban e Imponían una arquitectura monumental e historicista.

El neoplasticismo en la arquitectura estaba representado por Teo Van Doesburg en Todas sus maquetas geométricas y por la figura de H.Riedveld y su casa Schröder. Eran formas arquitectónicas asimétricas, coloreadas, antidecorativa, abierta y con Diferentes juegos de espacio, funcionales…

El constructivismo en la arquitectura se refleja mediante el movimiento a la tercera Internacional de tatlin o la tribuna de lennin de El Lisitski o el pabellón a las artes Decorativas de Parí́s de 1935 de Konstantin Melnikov o el “Plue Rosakuof” de Moscú. Donde destacaba las perspectivas angulosos, las simetrías compensadas, total Desnudez ornamental y equilibro dinámico. Por otro lado en Alemania la Bauhaus fue la encargada de la renovación artística después de la 1a Guerra Mundial. Esa Renovación artística en la arquitectura la representa el edificio de la sede en Dessau Realizado por Gropius y Meyer y se caracteriza por influencias neoplasticas, Funcionalidad y economía de medios.

Las tres grandes figuras del movimiento moderno son: Le Corbusie, Mies Van de Rohe y A.Aalto.
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((HASTA Aquí́ EL EXAMEN))